Время работы: Пн-Пт. 10:00 - 19:00 (Помощь консультанта и обработка заказов)

Фото стиль 30 годов: Страница не Найдена – FashionApp.ru

Мода 1930 годов: характерные черты, фото

Мода 1930 годов весьма интересна и разнообразна. Жизнь общества в значительной мере отразилась на женской одежде.

После того, как закончилась Первая мировая война, общество, как только отошло от всех пережитых ужасов, бросилось получать удовольствия, которых оно было лишено во время проведения военных действий. В эти годы началось повальное поклонение джазу и чарльстону.

Чем дальше, тем больше появлялось эмансипированных женщин, поскольку им приходилось выполнять работу мужчин, павших в войне. Всё это, естественно, не могло не отразиться на гардеробе.

Особенности женской моды 1930-х

Грань между социальным статусом и полами постепенно исчезает. Мода 1920-1930 годов рождает стиль унисекс, который тогда назывался «la garconne». Женщины научились водить автомобили, демонстративно много курят, коротко стригут волосы, красят губы ярко-красной помадой. Гольф и теннис стали любимым видом спорта многих модниц, а ночи они проводили в танцевальных клубах.

В те времена стильные девушки носили одежду, которая скрывала их фигуру: мешковатые вещи, мини-юбки, костюмы мужского покроя.

Модной считалась фигура, лишённая всяческой женственности: отсутствие груди, узкие бёдра, угловатые формы. Одежда тех времён была предназначена для того, чтобы тщательно скрывать женские округлости. Дамы, которым не посчастливилось иметь мальчишеский силуэт, были вынуждены пользоваться корсетами и грациями, визуально делающими фигуру плоской.

[adv]

Стройные барышни могли себе позволить носить бюстгальтеры и пояса для чулок. С короткими платьями и юбками следовало носить панталоны с резинками возле колена, а также нижнее платье на бретельках.

С наступлением следующего десятилетия в моду входят облегающие фигуру длинные юбки и платья. И в искусстве, и в повседневности фаворитом является функционализм. Также и мода претерпевает изменения под его воздействием. Мода 1930 отличается косым кроем платьев, который красиво обрисовывает фигуру.

Также эффектно смотрится глубокое декольте и бретели. Аристократия могла себе позволить накидывать поверх открытых платьев меховые накидки.

Дамы тех времён носили костюмы, которые шились строго по фигуре. На талии обязательно должен был быть пояс, а для дополнительного внимания к фигуре сверху надевали платки, шали, которые завязывали пышными бантами.

Дамский гардероб 1930 годов

В моду тех лет вернулись тонкие талии, которые нужно было создавать с помощью корсетов. Тогда их изготавливали из лёгких материалов, часто используя латекс. Поэтому корсеты были очень удобные и не проглядывали через одежду.

В женском гардеробе появились длинные юбки и платья тёмных тонов с белыми воротниками. Купить новую вещь было очень дорого, поэтому приходилось перешивать платья, дополняя их вставками, оборками, бантами. К середине 30-х годов модными считались широкие плечики в платьях и блузках, а также юбки максимальной длины.

Дамы по-прежнему выезжали на танцы, но сейчас это был фокстрот, танго, свинг, и там можно было танцевать в длинных нарядах. Наряды, предназначенные для танцев, имели большой вырез на спине и глубокое декольте на груди. Для того чтобы прикрывать откровенные наряды, использовали накидки, жакетки, болеро.

Из верхней одежды в гардеробе женщин 30-х обязательно было модное пальто с рукавами-реглан, которое увеличивало линию плеч. Также в пальто присутствовал пояс и большие карманы.

Почти у каждой женщины того времени были жакеты, костюмы, узкие платья, длинные юбки. Те, кто хотел выделиться из толпы, придавал особое значение ярким тканям, аксессуарам, каким-то деталям и фактуре материала. Несмотря на всеобщее обнищание после «великой» депрессии, возвращается мода на длинные вечерние платья, привлекающие внимание своей роскошью и изысканностью.

[adv-2]

В это время в гардеробе женщин появились брюки. Пока они являются вещью для отдыха и занятий спортом.

Обувь и аксессуары 1930

В начале десятилетия молодые девушки не носили шляп. До середины десятилетия модницы предпочитали летом носить косынки или лёгкие береты, а зимой вязаные шапки и береты. Наиболее популярными были береты, связанные из шёлковых ниток, с добавлением золотистой или серебристой пряжи. У мужчин основным головным убором была кожаная кепка. Постепенно в мужскую моду входят лакированные козырьки на головных уборах.

К середине 30-х женщины начинают носить маленькие шляпки самых разных видов: круглые, плоские, в форме колокола и другие. Береты остаются в моде, их теперь носят, сдвинув на один бок и закрепив шпильками.

Вечерние платья требовали изысканности в выборе аксессуаров. Шикарные ткани отделывались пайетками, люрексом, стразами, блёстками, перьями и мехом. Туфли часто были обтянуты золотистой или серебристой материей и украшались блестящими пряжками. Чулки в те времена делали из искусственного шёлка, и только в конце десятилетия появились нейлоновые чулки.

Костюм требовал дополнения в виде сумочки-клатча либо сумочки в виде конверта без ручки. Последним писком моды тех лет были пластмассовые защёлки, хотя часто встречались сумочки с серебристыми замочками. Барышни позволяли себе носить одновременно дешёвую бижутерию вместе с драгоценными украшениями.

В моде были солнцезащитные очки, которые носили везде, начиная пляжем и заканчивая прогулкой по городу. Обувь становится всё более массивной, появляются туфли на платформе.

Именно в 30-е годы прошлого века особое значение стали придавать аксессуарам. Было важно подобрать сумочку, перчатки, головной убор. Впрочем, это было совсем не тяжело, летом аксессуары, как правило, были белого цвета, а зимой чёрного или тёмно-коричневого.

Как создать образ в стиле 30-х

Для того чтобы понять, как выглядели женщины тех лет, достаточно увидеть фотографии актрис 30-х годов. История моды и стиля сохранила массу примеров, как женственно и вызывающе они выглядят.

[adv-3]

Они одеты в длинные платья с откровенными вырезами на груди и спине, на плечи накинута меховая накидка, а на руках длинные перчатки. Завершающим штрихом был яркий макияж, который не оставлял равнодушными, в первую очередь, мужчин. В наше время этот стиль часто используют голливудские звёзды для того, чтобы пройтись по красной ковровой дорожке во всём блеске и роскоши 1930-х годов.

Макияж в стиле 30-х предполагает следующие нюансы: смоки-айс, высокие тонкие брови, блёстки, перламутр, яркая губная помада. Он идеально сочетается с платьем в стиле ретро. Можно позаимствовать стиль Чикаго 30-х, который и в наши дни великолепно смотрится. Для этого необходимо выбрать платье чуть выше колен, на бретелях, с заниженной. На платье должно быть обилие бахромы и любых блестящих украшений: пайеток, блёсток, вышивки золотистыми или серебристыми нитями. Спина у такого наряда оголена, спереди — глубокое декольте.

К платью обязательно следует подобрать стильную маленькую шляпку или же повязку. На плечи нужно накинуть меховое манто, а из украшений подойдут длинные бусы из жемчуга, которые оборачиваются в несколько рядов. Завершающей деталью станет длинный мундштук в руке, ведь курение было очень популярным среди женщин 30-х.

Показывая ножки, следует подумать и про стильную обувь. Она должна быть практичной и комфортной. Подойдёт невысокий устойчивый каблук.

Причёска играет немаловажную роль в создании цельного образа. Милые локоны, ракушки, укладки в виде морских волн – причёска должна быть одновременно женственной, изысканной и сдержанной. Обладательницы длинных волос могут поэкспериментировать с начёсами. На голове могут быть не только шляпки, но и ленты, перья, всевозможные украшения.

гангстерский стиль Ретро в одежде для женщин 20 века

Двадцатые годы прошлого столетия считаются золотым веком литературы, кино и джаза. Во многом этот период стал временем перемен, что и отражает мода тех времен.

История начала 20-го века

Двадцатые годы прошлого столетия – это тот период, когда многое менялось в жизни как Америки, так и Европы. После окончания первой мировой люди постепенно восстанавливали свою жизнь, стараясь забыть о прошлом и заново научиться жить сегодняшним днем.

В Америке основной акцент делался на развитие кинематографа и популяризацию джаза. Молодые девушки стали ориентироваться на образы кинодив, одеваясь в эффектные платья. Мужчин на создание стильных образов вдохновляли гангстеры. Закрытые наряды темных цветов в классическом стиле дополняли шляпами и стильными бабочками.

Что касается моды в СССР, она, конечно же, развивалась в другом направлении. В это время страна переживала смену власти. 20 век отличается тем, что девушки и женщины стали бороться за равенство прав с мужчинами. Поэтому советские представительницы слабого пола стали облачаться в брюки и костюмы в мужском стиле.

Но 1920 год известен не только популяризацией мужских профессий среди женщин. Разнообразился и досуг того времени. Подпольные развлечения развивались и в СССР, и в Европе, и в Америке. Мужчины и женщины стали собираться в барах и ресторанах, танцуя и слушая ритмичную музыку. Поэтому в моду вошли яркие вечерние наряды с обилием декораций.

В предыдущие годы идеалом была женственная фигура с пышными формами. В двадцатых годах прошлого столетия ситуация изменилась. Дизайнеры стали идеализировать девушек с мальчишеским типом фигуры. Короткая стрижка, худощавая фигура и небольшая грудь – вот, что ценили в те времена. Поэтому дизайнеры отказались от корсетов и пышных юбок, визуально меняющих женскую фигуру.

Моду двадцатых годов прошлого столетия творили такие именитые дизайнеры, как Жан Пату, Коко Шанель и Жан Пуаре. Самыми примечательными вещами, которые появились в женском гардеробе, можно назвать маленькое черное платье от Шанель и шляпки-клош.

Мода 20-30-х годов

О стиле этого периода можно говорить достаточно долго. Он состоит из мелких деталей, которые дополняют все вещи родом из двадцатого столетия.

Прежде всего, в моду вошли платья свободного кроя. Они не подчеркивали женственность фигуры, а акцент сместился с талии на бедра. Теперь платья дополняли не корсетами, а пояском или драпировкой на линии бедер.

Также сместился и акцент с груди. Девушки перестали декорировать верхнюю часть платьев рюшами и бантами. Фасон нарядов стал более закрытым. При этом открывали руки и спину.

Платья без рукавов пользовались большой популярностью. Они дополнялись тонкими бретелями или коротенькими рукавами-крылышками. Открытая спина при отсутствии нижнего белья смотрелась в те времена еще более провокационно, чем глубокое декольте.

Еще одна провокационная деталь – укоротившаяся длина платьев. Строгие викторианские платья, полностью скрывающие ноги ,остались в прошлом. Длина платьев укоротилась изначально до уровня щиколотки, а потом и до колена. К концу двадцатых годов прошлого века некоторые особо рисковые модницы стали носить даже длину мини.

Многие платья в те времена дополняли вышивкой. Те, кто мог себе это позволить, заказывали платья, вышитые вручную. Стоили подобные наряды дорого, но и выглядели просто невероятно. Их расшивали не только цветными нитями, но и шнурами, лентами или тесьмой. Такие композиции смотрелись объемно и индивидуально.

Отдельного внимания заслуживают и аксессуары, которые появлялись в образах девушек того времени. И повседневные и вечерние образы дополнялись объемными боа из меха или перьев. Их носили, перекидывая через одно плечо.

И мужчины и женщины стали дополнять свои наряды длинными галстуками ярких цветов. Смотрелось это довольно необычно, особенно, в сочетании с популярными в то время белыми воротничками.

Девушки также носили шарфы и шали. Очень часто они были дороже и даже привлекательнее самих платьев. Шали декорировали длинной бахромой. Из бижутерии популярностью пользовались длинные нитки натурального жемчуга, небольшие сережки и объемные браслеты.

Важным дополнением женских нарядов стали компактные сумочки. Они присутствовали и в повседневных луках, и в вечерних. Менее заметная деталь, дополняющая женские наряды того времени – темные чулки. Летние модели изготовлялись из натурального шелка, а зимние – из шерсти или плотного хлопка.

Гангстерский стиль

Но не только платья пользовались популярностью в двадцатые годы. На волне популярности гангстерских группировок вошли в моду стильные костюмы. Их носили не только мужчины, но и девушки

Такие костюмы отличались классическим кроем и использованием преимущественно темных цветов. Модели для девушек были более женственными – отличалась форма воротника, а пиджак или жакет был более приталенный.

Повседневная одежда для женщин

В повседневной жизни большинство девушек в двадцатом столетии носили простые платья с заниженной талией. Силуэт таких платьев был максимально простым. Зато много внимания уделялось различным декоративным элементам. Именно благодаря такому декору стиль двадцатых годов прошлого столетия и пользуется популярностью до сих пор.

Также многие юбки дополняли неровными отрезами, застежками, объемными складками или дополнительными ярусами ткани, делающими их еще пышнее. В сочетании с предельно простым верхом такие юбки смотрелись очень эффектно.

Наряды для вечеринок

Отдельного внимания заслуживают вечерние наряды. Ночная жизнь в двадцатые годы набирала обороты, поэтому девушки стали много внимания уделять созданию соответствующих образов.

Чтобы танцевать было удобно, девушки облачались в более короткие и менее пышные платья, которые не сковывают движений. Вечерние образы дополняли накидками, нитями жемчуга и другими яркими аксессуарами.

Современные луки в стиле ретро

На сегодняшний день мода 1920-1930 годов привлекает внимание дизайнеров. Поэтому многие элементы такого стиля присутствуют и в современной одежде. Многие дизайнеры дополняют свои платья вышивкой в стиле двадцатых или оригинальной бахромой.

Встречаются также и классические платья в стиле двадцатых. Полноценный образ дамы из двадцатых годов прошлого столетия будет хорошо смотреться на различных тематических вечеринках или корпоративах.

Кому пойдет образ в таком стиле

Если вы хотите пополнить свой гардероб необычным нарядом в стиле двадцатых годов прошлого столетия, то, прежде всего, задумайтесь, подходит ли вам выбранный образ.

Для женщин

Женская одежда в стиле двадцатых годов хороша своей внешней сдержанностью. В платье средней длины с открытыми руками будет отлично смотреться даже женщина в возрасте. Также среди взрослых дам пользуются популярностью и удобные туфли на низком каблуке.

Для девушек

Молодым девушкам также понравятся наряды в таком стиле. Модели с заниженной талии подойдут девушкам с фигурой, приближенной к мальчишеской, поэтому они очень органично смотрятся на изящных юных леди.

Мода двадцатых годов была очень провокационной и оказала сильное влияние на весь модный мир. В это время менялся не только мир вокруг, но и отношение женщин к стилю. Оцените и вы эффектные образы дам того времени и примерьте один из них на себя.

гангстерский стиль Ретро в одежде для женщин 20 века

Двадцатые годы прошлого столетия считаются золотым веком литературы, кино и джаза. Во многом этот период стал временем перемен, что и отражает мода тех времен.

История начала 20-го века

Двадцатые годы прошлого столетия – это тот период, когда многое менялось в жизни как Америки, так и Европы. После окончания первой мировой люди постепенно восстанавливали свою жизнь, стараясь забыть о прошлом и заново научиться жить сегодняшним днем.

В Америке основной акцент делался на развитие кинематографа и популяризацию джаза. Молодые девушки стали ориентироваться на образы кинодив, одеваясь в эффектные платья. Мужчин на создание стильных образов вдохновляли гангстеры. Закрытые наряды темных цветов в классическом стиле дополняли шляпами и стильными бабочками.

Что касается моды в СССР, она, конечно же, развивалась в другом направлении. В это время страна переживала смену власти. 20 век отличается тем, что девушки и женщины стали бороться за равенство прав с мужчинами. Поэтому советские представительницы слабого пола стали облачаться в брюки и костюмы в мужском стиле.

Но 1920 год известен не только популяризацией мужских профессий среди женщин. Разнообразился и досуг того времени. Подпольные развлечения развивались и в СССР, и в Европе, и в Америке. Мужчины и женщины стали собираться в барах и ресторанах, танцуя и слушая ритмичную музыку. Поэтому в моду вошли яркие вечерние наряды с обилием декораций.

В предыдущие годы идеалом была женственная фигура с пышными формами. В двадцатых годах прошлого столетия ситуация изменилась. Дизайнеры стали идеализировать девушек с мальчишеским типом фигуры. Короткая стрижка, худощавая фигура и небольшая грудь – вот, что ценили в те времена. Поэтому дизайнеры отказались от корсетов и пышных юбок, визуально меняющих женскую фигуру.

Моду двадцатых годов прошлого столетия творили такие именитые дизайнеры, как Жан Пату, Коко Шанель и Жан Пуаре. Самыми примечательными вещами, которые появились в женском гардеробе, можно назвать маленькое черное платье от Шанель и шляпки-клош.

Мода 20-30-х годов

О стиле этого периода можно говорить достаточно долго. Он состоит из мелких деталей, которые дополняют все вещи родом из двадцатого столетия.

Прежде всего, в моду вошли платья свободного кроя. Они не подчеркивали женственность фигуры, а акцент сместился с талии на бедра. Теперь платья дополняли не корсетами, а пояском или драпировкой на линии бедер.

Также сместился и акцент с груди. Девушки перестали декорировать верхнюю часть платьев рюшами и бантами. Фасон нарядов стал более закрытым. При этом открывали руки и спину.

Платья без рукавов пользовались большой популярностью. Они дополнялись тонкими бретелями или коротенькими рукавами-крылышками. Открытая спина при отсутствии нижнего белья смотрелась в те времена еще более провокационно, чем глубокое декольте.

Еще одна провокационная деталь – укоротившаяся длина платьев. Строгие викторианские платья, полностью скрывающие ноги ,остались в прошлом. Длина платьев укоротилась изначально до уровня щиколотки, а потом и до колена. К концу двадцатых годов прошлого века некоторые особо рисковые модницы стали носить даже длину мини.

Многие платья в те времена дополняли вышивкой. Те, кто мог себе это позволить, заказывали платья, вышитые вручную. Стоили подобные наряды дорого, но и выглядели просто невероятно. Их расшивали не только цветными нитями, но и шнурами, лентами или тесьмой. Такие композиции смотрелись объемно и индивидуально.

Отдельного внимания заслуживают и аксессуары, которые появлялись в образах девушек того времени. И повседневные и вечерние образы дополнялись объемными боа из меха или перьев. Их носили, перекидывая через одно плечо.

И мужчины и женщины стали дополнять свои наряды длинными галстуками ярких цветов. Смотрелось это довольно необычно, особенно, в сочетании с популярными в то время белыми воротничками.

Девушки также носили шарфы и шали. Очень часто они были дороже и даже привлекательнее самих платьев. Шали декорировали длинной бахромой. Из бижутерии популярностью пользовались длинные нитки натурального жемчуга, небольшие сережки и объемные браслеты.

Важным дополнением женских нарядов стали компактные сумочки. Они присутствовали и в повседневных луках, и в вечерних. Менее заметная деталь, дополняющая женские наряды того времени – темные чулки. Летние модели изготовлялись из натурального шелка, а зимние – из шерсти или плотного хлопка.

Гангстерский стиль

Но не только платья пользовались популярностью в двадцатые годы. На волне популярности гангстерских группировок вошли в моду стильные костюмы. Их носили не только мужчины, но и девушки

Такие костюмы отличались классическим кроем и использованием преимущественно темных цветов. Модели для девушек были более женственными – отличалась форма воротника, а пиджак или жакет был более приталенный.

Повседневная одежда для женщин

В повседневной жизни большинство девушек в двадцатом столетии носили простые платья с заниженной талией. Силуэт таких платьев был максимально простым. Зато много внимания уделялось различным декоративным элементам. Именно благодаря такому декору стиль двадцатых годов прошлого столетия и пользуется популярностью до сих пор.

Также многие юбки дополняли неровными отрезами, застежками, объемными складками или дополнительными ярусами ткани, делающими их еще пышнее. В сочетании с предельно простым верхом такие юбки смотрелись очень эффектно.

Наряды для вечеринок

Отдельного внимания заслуживают вечерние наряды. Ночная жизнь в двадцатые годы набирала обороты, поэтому девушки стали много внимания уделять созданию соответствующих образов.

Чтобы танцевать было удобно, девушки облачались в более короткие и менее пышные платья, которые не сковывают движений. Вечерние образы дополняли накидками, нитями жемчуга и другими яркими аксессуарами.

Современные луки в стиле ретро

На сегодняшний день мода 1920-1930 годов привлекает внимание дизайнеров. Поэтому многие элементы такого стиля присутствуют и в современной одежде. Многие дизайнеры дополняют свои платья вышивкой в стиле двадцатых или оригинальной бахромой.

Встречаются также и классические платья в стиле двадцатых. Полноценный образ дамы из двадцатых годов прошлого столетия будет хорошо смотреться на различных тематических вечеринках или корпоративах.

Кому пойдет образ в таком стиле

Если вы хотите пополнить свой гардероб необычным нарядом в стиле двадцатых годов прошлого столетия, то, прежде всего, задумайтесь, подходит ли вам выбранный образ.

Для женщин

Женская одежда в стиле двадцатых годов хороша своей внешней сдержанностью. В платье средней длины с открытыми руками будет отлично смотреться даже женщина в возрасте. Также среди взрослых дам пользуются популярностью и удобные туфли на низком каблуке.

Для девушек

Молодым девушкам также понравятся наряды в таком стиле. Модели с заниженной талии подойдут девушкам с фигурой, приближенной к мальчишеской, поэтому они очень органично смотрятся на изящных юных леди.

Мода двадцатых годов была очень провокационной и оказала сильное влияние на весь модный мир. В это время менялся не только мир вокруг, но и отношение женщин к стилю. Оцените и вы эффектные образы дам того времени и примерьте один из них на себя.

гангстерский стиль Ретро в одежде для женщин 20 века

Двадцатые годы прошлого столетия считаются золотым веком литературы, кино и джаза. Во многом этот период стал временем перемен, что и отражает мода тех времен.

История начала 20-го века

Двадцатые годы прошлого столетия – это тот период, когда многое менялось в жизни как Америки, так и Европы. После окончания первой мировой люди постепенно восстанавливали свою жизнь, стараясь забыть о прошлом и заново научиться жить сегодняшним днем.

В Америке основной акцент делался на развитие кинематографа и популяризацию джаза. Молодые девушки стали ориентироваться на образы кинодив, одеваясь в эффектные платья. Мужчин на создание стильных образов вдохновляли гангстеры. Закрытые наряды темных цветов в классическом стиле дополняли шляпами и стильными бабочками.

Что касается моды в СССР, она, конечно же, развивалась в другом направлении. В это время страна переживала смену власти. 20 век отличается тем, что девушки и женщины стали бороться за равенство прав с мужчинами. Поэтому советские представительницы слабого пола стали облачаться в брюки и костюмы в мужском стиле.

Но 1920 год известен не только популяризацией мужских профессий среди женщин. Разнообразился и досуг того времени. Подпольные развлечения развивались и в СССР, и в Европе, и в Америке. Мужчины и женщины стали собираться в барах и ресторанах, танцуя и слушая ритмичную музыку. Поэтому в моду вошли яркие вечерние наряды с обилием декораций.

В предыдущие годы идеалом была женственная фигура с пышными формами. В двадцатых годах прошлого столетия ситуация изменилась. Дизайнеры стали идеализировать девушек с мальчишеским типом фигуры. Короткая стрижка, худощавая фигура и небольшая грудь – вот, что ценили в те времена. Поэтому дизайнеры отказались от корсетов и пышных юбок, визуально меняющих женскую фигуру.

Моду двадцатых годов прошлого столетия творили такие именитые дизайнеры, как Жан Пату, Коко Шанель и Жан Пуаре. Самыми примечательными вещами, которые появились в женском гардеробе, можно назвать маленькое черное платье от Шанель и шляпки-клош.

Мода 20-30-х годов

О стиле этого периода можно говорить достаточно долго. Он состоит из мелких деталей, которые дополняют все вещи родом из двадцатого столетия.

Прежде всего, в моду вошли платья свободного кроя. Они не подчеркивали женственность фигуры, а акцент сместился с талии на бедра. Теперь платья дополняли не корсетами, а пояском или драпировкой на линии бедер.

Также сместился и акцент с груди. Девушки перестали декорировать верхнюю часть платьев рюшами и бантами. Фасон нарядов стал более закрытым. При этом открывали руки и спину.

Платья без рукавов пользовались большой популярностью. Они дополнялись тонкими бретелями или коротенькими рукавами-крылышками. Открытая спина при отсутствии нижнего белья смотрелась в те времена еще более провокационно, чем глубокое декольте.

Еще одна провокационная деталь – укоротившаяся длина платьев. Строгие викторианские платья, полностью скрывающие ноги ,остались в прошлом. Длина платьев укоротилась изначально до уровня щиколотки, а потом и до колена. К концу двадцатых годов прошлого века некоторые особо рисковые модницы стали носить даже длину мини.

Многие платья в те времена дополняли вышивкой. Те, кто мог себе это позволить, заказывали платья, вышитые вручную. Стоили подобные наряды дорого, но и выглядели просто невероятно. Их расшивали не только цветными нитями, но и шнурами, лентами или тесьмой. Такие композиции смотрелись объемно и индивидуально.

Отдельного внимания заслуживают и аксессуары, которые появлялись в образах девушек того времени. И повседневные и вечерние образы дополнялись объемными боа из меха или перьев. Их носили, перекидывая через одно плечо.

И мужчины и женщины стали дополнять свои наряды длинными галстуками ярких цветов. Смотрелось это довольно необычно, особенно, в сочетании с популярными в то время белыми воротничками.

Девушки также носили шарфы и шали. Очень часто они были дороже и даже привлекательнее самих платьев. Шали декорировали длинной бахромой. Из бижутерии популярностью пользовались длинные нитки натурального жемчуга, небольшие сережки и объемные браслеты.

Важным дополнением женских нарядов стали компактные сумочки. Они присутствовали и в повседневных луках, и в вечерних. Менее заметная деталь, дополняющая женские наряды того времени – темные чулки. Летние модели изготовлялись из натурального шелка, а зимние – из шерсти или плотного хлопка.

Гангстерский стиль

Но не только платья пользовались популярностью в двадцатые годы. На волне популярности гангстерских группировок вошли в моду стильные костюмы. Их носили не только мужчины, но и девушки

Такие костюмы отличались классическим кроем и использованием преимущественно темных цветов. Модели для девушек были более женственными – отличалась форма воротника, а пиджак или жакет был более приталенный.

Повседневная одежда для женщин

В повседневной жизни большинство девушек в двадцатом столетии носили простые платья с заниженной талией. Силуэт таких платьев был максимально простым. Зато много внимания уделялось различным декоративным элементам. Именно благодаря такому декору стиль двадцатых годов прошлого столетия и пользуется популярностью до сих пор.

Также многие юбки дополняли неровными отрезами, застежками, объемными складками или дополнительными ярусами ткани, делающими их еще пышнее. В сочетании с предельно простым верхом такие юбки смотрелись очень эффектно.

Наряды для вечеринок

Отдельного внимания заслуживают вечерние наряды. Ночная жизнь в двадцатые годы набирала обороты, поэтому девушки стали много внимания уделять созданию соответствующих образов.

Чтобы танцевать было удобно, девушки облачались в более короткие и менее пышные платья, которые не сковывают движений. Вечерние образы дополняли накидками, нитями жемчуга и другими яркими аксессуарами.

Современные луки в стиле ретро

На сегодняшний день мода 1920-1930 годов привлекает внимание дизайнеров. Поэтому многие элементы такого стиля присутствуют и в современной одежде. Многие дизайнеры дополняют свои платья вышивкой в стиле двадцатых или оригинальной бахромой.

Встречаются также и классические платья в стиле двадцатых. Полноценный образ дамы из двадцатых годов прошлого столетия будет хорошо смотреться на различных тематических вечеринках или корпоративах.

Кому пойдет образ в таком стиле

Если вы хотите пополнить свой гардероб необычным нарядом в стиле двадцатых годов прошлого столетия, то, прежде всего, задумайтесь, подходит ли вам выбранный образ.

Для женщин

Женская одежда в стиле двадцатых годов хороша своей внешней сдержанностью. В платье средней длины с открытыми руками будет отлично смотреться даже женщина в возрасте. Также среди взрослых дам пользуются популярностью и удобные туфли на низком каблуке.

Для девушек

Молодым девушкам также понравятся наряды в таком стиле. Модели с заниженной талии подойдут девушкам с фигурой, приближенной к мальчишеской, поэтому они очень органично смотрятся на изящных юных леди.

Мода двадцатых годов была очень провокационной и оказала сильное влияние на весь модный мир. В это время менялся не только мир вокруг, но и отношение женщин к стилю. Оцените и вы эффектные образы дам того времени и примерьте один из них на себя.

Мода и стиль 30-х годов – фото одежды и аксессуаров

Основной геометрической фигурой в стиле 30-х становится треугольник – широкие плечи и узкие бёдра. Накладные плечи Джоан Кроуфорд в 1932 году, плечи в форме пагоды, придуманные Эльзой Скиапарелли в 1933 году и её же выдумка – плечи в стиле гвардейцев Британской армии, популярны как никогда. Всевозможные вставки и кокетки в виде треугольника, глубокий V-образный вырез на спине вечерних платьев, юбки, узкие в бёдрах и расширяющиеся книзу от колен, широкие остроугольные воротники, банты, косынки на шее, оригинальные накидки – всё это элементы из нарядов 30-х годов.


Ткани – атлас, шёлк, отлично драпирующиеся и облегающие стройную женскую фигуру, особенно в крое по косой, были одними их самых востребованных. В 1936 году во время зимних Олимпийских игр появились лыжные брюки – широкие в бёдрах и сужающиеся к лодыжке. Высокий каблук – танкетка – изобретение Сальваторе Феррагамо, изготавливалась из рафии или пробкового дерева.

Экономические трудности, возникшие почти во всех европейских странах и достигшие кульминации в 1929 году, обрушились кризисом и связанной с ним безработицей. Миллионы людей не имели ни хлеба, ни заработка. Теперь богатство не афишировали так, как это было в 20-е годы. Праздники устраивали не в клубах, а в частных домах, причём в узком кругу. Всё это продолжалось несколько лет, и не могло не отразиться в моде.

Вместе с этим продолжалось развитие техники. И одно из главных изобретений – изобретение звукового кино сделало актёров, разговаривающих с экранов, более близкими и понятными для всех. А потому, влияние фильмов увеличилось, новинки моды, пропагандируемые раньше театром или кабаре, теперь демонстрировались более широким массам с экранов. Популярные актёры становились образцом подражания во всём – не только в поведении, но и в одежде в том числе. Модным было то, что носили звёзды, их наряды сразу копировали.


Актрисы Грета Гарбо, Марлен Дитрих, Джоан Кроуфорд, Джин Харлоу популяризировали одежду, акцентирующую внимание на формы женского тела. Они стали законодательницами стиля. Марлен Дитрих ввела в моду брюки, Грета Гарбо – костюм мужского типа, с широкими плечами. В некоторых фильмах того времени мода играла главную роль. И дизайнеры быстро увидели, насколько может быть полезным кино.

Прямоугольный силуэт, простота кроя стали исчезать, постепенно приобретая черты женского силуэта, имеющего талию, грудь, бёдра. Идеалом стала женщина, имеющая стройную фигуру и длинные ноги.


В то время, когда женщины 20-х годов и днём, и ночью отплясывали чарльстон в платьях-рубашках, дамы 30-х годов, как бы бедны не были, хотели выглядеть достойно. Элегантность и очарование 30-х годов особенно ярко проявились в длинных шелковых вечерних платьях. Именно шёлк при косом крое великолепно ниспадал, подчёркивая фигуру. Это был один из самых дорогих материалов того периода. И все модельеры тогда подхватили гениальную находку Вионне – раскраивать ткань по косой. Этот крой придавал эластичность – на груди, талии и бёдрах платье было облегающим, а ниже опускалось естественными складками.



Пальто и платья 1930-х годов

Кроме этого, платья с глубоким вырезом на спине не нуждались в застёжках. Появились ткани с очень интересной фактурой, которая сама по себе была уже украшением. Но всё же лучшим украшением вечернего платья был мех песца. Богатые дамы носили меха не только в вечернем наряде, но и днём. Те, кто не мог позволить себе этой роскоши, заменяли его бархатной пелериной или яркой шифоновой шалью. Но были и те, кому и шёлк был недоступен. О них позаботилась Коко Шанель. В своей коллекции вечерних туалетов она включила платья из хлопчатобумажных тканей.


Повседневные наряды дамы удлиняли, ведь теперь всё носилось до середины икр. Как это делалось? – … с помощью лент, оборок, кокеток, различных вставок, например, вставки годэ на юбках, которые начинались чуть ниже линии бёдер. Даже маленькие кусочки меха находили себе применение для отделки выреза или рукавов. Костюмы имели зауженный силуэт с чётко выраженной талией, которую дополнительно подчёркивали поясом.

Вырез был глубоким, отвороты – широкими. Их шили часто из английских твидов, и поэтому костюмы стали называться «английскими». Технология пошива и обработки была почти та же, что и при пошиве мужского костюма. А чтобы оживить костюм и сделать его более женственным, для этого достаточно было наброшенной на плечо лисы или прикреплённого к лацкану букетика фиалок. Под жакет надевали блузку с большим бантом. Чтобы подчеркнуть ширину плеч использовали различные декоративные элементы – большие банты или шёлковые платки, оборки, воланы.

В 1933 году Herm?s выпустил свой первый знаменитый шёлковый платок.

Благодаря тому, что тонкая талия вернулась, возродилась и корсетная индустрия. Но в данном случае это было всего лишь лёгкое сжатие, и корсеты носили чуть ниже линии груди. Грудь снова приподнялась в отличие от её чуть ли неполного отсутствия в 20-х годах. Начался выпуск бюстгальтеров американской фирмой «Уорнерс».



В комплект дамской одежды непременно входили шляпы. И это было время самых безумных головных уборов. Если приобрести платье, особенно из дорогого материала, было не просто, то создать шляпку, даже применяя свои дизайнерские способности, пытались многие.

С начала 30-х годов шляпки были небольшие и плоские, их дама могла закрепить шпильками на причёске. Затем появились береты и круглые шапочки, шляпы в форме тарелки, колокола, да и вообще, в форме того, что можно было только вообразить. Разнообразие фантазийных моделей шляпок было настолько богато, что о единстве стиля в них не было и речи. Их объединяло лишь одно – эти шляпки дамы носили, чуть косо сдвинув на лоб.

Самой знаменитой создательницей шляп была Эльза Скиапарелли. Шляпки 30-х годов это совершенно отдельная тема.


Кроме шляп, которые тоже могли позволить не все, распространились тюрбаны, скрученные из цветного шёлка, кружевные шали, сеточки для волос, сделанные из крученого шёлка, тюля и унизанные цветными бусинками.

Как были одеты ноги? Чулки были те же, что и в 20-х годах, из натурального или искусственного шёлка. В 1939 году начали выпускать нейлоновые. Туфли имели каблук 6-8см, средней толщины, были и на низком каблуке, а также различные варианты с ремешком на подъёме и застёжкой на пуговице. Вырез обуви был не глубокий, если точнее – средний, некоторые модели были полностью закрытыми, носочки скруглённые и чуть зауженные. Очень популярны были двухцветные туфли.



Перчатки были непременным аксессуаром в гардеробе дамы 30-х годов, их надевали даже к летнему платью с коротким рукавом.


В шляпке, с перчатками и плоской сумочкой-конвертом дама выглядела элегантно одетой. У кого не было средств украсить себя дорогими нарядами, дополняли имеющийся наряд модными аксессуарами – шляпкой, сумочкой-конвертом и перчатками. Тогда образ считался завершённым в соответствии с модными требованиями тех лет. Особенно выручали сумочки. Они были в виде конвертов без ручек с защёлкой в виде рамочки, которая в то время стала выполняться из пластмассы.

Новшеством десятилетия были солнечные очки, которые обязана была иметь каждая уважающая себя модница. Брюки, и прежде всего вечерняя или пляжная пижама, стали неотъемлемым предметом гардероба каждой элегантной дамы. Хотя лишь только в 1939 году журнал Vogue осмелился впервые предложить женщине в качестве одежды брюки с пуловером. Прогулочные брюки постепенно прививались. Одной из форм спортивной одежды стали брюки-юбка, брюки для охоты, которые постепенно укорачивались и становились предвестниками шорт.

Наряду с пижамами появлялись различные формы халатов, которые делали из фланели, байки, атласа, появился новый тип домашней одежды – платья-халаты.


Пальто имели также приталенный, прямой силуэт с длиной до середины икр, с широкими лацканами, однобортные и двубортные, большей частью с большими накладными карманами, с крупными пуговицами. Талия иногда подчёркивалась поясом. Из меховых пальто модна была каракульча. Широкое распространение получили пелерины, которые были и короткие, едва прикрывающие плечи, и длинные, чуть ниже бёдер – накидки.

Украшения. Украшения, у кого они имелись, конечно же были в моде, особенно были любимы броши и колье. Большинство довольствовались искусственными камнями и стразами. Последние нашивались на дорогие ткани и имитировали драгоценности. Популярным украшением были искусственные цветы из ткани или страз. Самыми модными были фиалки, ими украшали соломенные шляпки.


30-е годы – годы, когда женщины большое внимание уделяли спорту, тем более, что во всех странах велась пропаганда спорта. По всей Европе создавались спортивные объединения, и все, стараясь идти в ногу со временем, начали страстно увлекаться спортом – кто авто -, а кто авиаспортом. Теннис, гольф, велосипед, плавание, лыжи оставались излюбленными видами активного досуга.



Стало модным проводить время отдыха в горах, катаясь на лыжах, совершать горные прогулки. И здесь одежда в тирольском стиле была скопирована модой. Но постепенно становилось ясно, что политические страсти в Европе принимают опасный оттенок. И уже с 1934 года мода, как бы предчувствуя приближение катастрофы, отреагировала изменениями в линиях одежды.

Одежда принимает характер униформы – угловатые широкие плечи, узкие юбки чуть ниже колена, перчатки с отворотами, сумочки через плечо. Обувь стала более массивной – появляются сначала клинообразные каблуки, затем и платформа, а так же обувь без каблука, и что интересно – отсутствие макияжа.

Время тревожное, всем становилась понятно, что это последние мирные дни перед великой катастрофой. И всё же, период 30-х годов можно назвать периодом наибольшего вкуса, временем новой элегантности. 30-е годы и сейчас являются источником вдохновения для дизайнеров.


одежда женщин 30-х годов, платья и нарядные пальто, макияж и прически. Красивые женские образы

В любое время женщина хочет выглядеть элегантно и неотразимо. Именно эти слова можно отнести к моде 30-х годов прошлого века. Образы выглядят очень женственно, романтично и немного сдержанно. Нередко идеи этого стиля используют современные дизайнеры при создании новых коллекций. О том, что представляет собой мода 30-х годов, о ее особенностях пойдет речь в статье.

Особенности стиля

В 30-е годы XX века экономика во многих странах была в критическом состоянии. Многие богатые предприниматели становились банкротами. В этот сложный для всех период не принято было хвастаться богатством, как в 20-е годы. Вечеринки не были роскошными, чаще приходилось устраивать скромные вечера в небольших клубах или домах, созывая узкий круг друзей.

Великая депрессия чувствовалась во всем, сказалась она и на женской моде. На смену ярким нарядам с мишурой и затейливыми аксессуарами приходит более комфортная и удобная одежда. Ткани становятся более простыми, в них присутствует узор в виде гороха, полосок или клетки. Востребованной становится бижутерия, учитывая невозможность приобретать дорогостоящие украшения.

Одним из наиболее грандиозных изобретений того времени являлось звуковое кино.

Многие стали подражать киношным героиням, копировали их образы. Популярные актрисы демонстрировали свои наряды, приковывая внимание к формам женского тела. Они становились законодательницами моды того времени. Постепенно прямоугольные силуэты и модели простого кроя исчезали, на смену им приходили наряды, подчеркивающие женский силуэт, идеальную стройную фигуру.

Одежда

Несмотря на финансовый кризис, многие дизайнеры того времени создавали поистине уникальные коллекции. Прошло то время, когда дамы 20-х годов выбирали платья-рубашки с низкой талией. Женщины после 30-х годов стали предпочитать элегантные платья, подчеркивающие фигуру. Изменился не только фасон нарядов для женщин, но и их длина. Очень популярны стали длинные узкие юбки, которые расширялись от колена. В моду вошли длинные платья в сочетании с нарядными шляпками оригинальной формы и накидками разной длины.

Дизайнеры разрабатывали наряды с визуально широкими плечами и узкими бедрами. В моделях приветствовались различные треугольные вставки, кокетки. Вечерние платья нередко имели шикарный вырез V-образной формы. Для таких нарядов стали использовать легкие струящиеся ткани, такие как шелк и атлас. Дизайнеры начали раскраивать материал по косой, благодаря этому ткань хорошо драпировалась, великолепно ниспадая, подчеркивая изящную фигуру.

Шелк считался довольно дорогим материалом для платья, и многим он был не по карману, поэтому началось производство изделий из х/б тканей. Так, знаменитая Коко Шанель выпустила коллекцию вечерних платьев, выполненных именно из таких недорогих материалов.

В повседневной жизни дамы предпочитали носить облегающие наряды неярких цветов. Темное платье с белым воротником долгое время оставалось в тренде. А также модными были модели, имеющие широкие плечи. Увеличивали их с помощью сборок, крылышек, манто и шалей.

Особо модными считались вечерние наряды, имеющие глубокий вырез на спине, такие платья не имели застежек. Они отлично смотрелись на худощавых дамах. Украшениями для вечерних платьев служили меховые боа и накидки.

Те, кто не мог себе позволить натуральный мех, заменяли накидки бархатными пелеринами или легкими шифоновыми шарфами и шалями.

Если раньше длина изделий доходила до колен или была чуть ниже колен, то теперь модели стали более длинными и доходили до средины икр. Многие начали перешивать старые платья, удлиняя их при помощи кружев, ленточек, оборок или меховых вставок. Такие костюмы с зауженным силуэтом прекрасно сидели на женской фигуре.

Большой популярностью стали пользоваться строгие костюмы. Вырезы на таких костюмах обычно были довольно глубокими, с широкими отворотами. Чаще шили эти изделия из твида, позже они стали именоваться «английскими». Чтобы костюмы выглядели более изящно, их украшали различными брошками, букетиками цветов, прикрепленными к вороту, или лисьим мехом, небрежно набрасывая его на плечо. Под пиджак принято было надевать шелковую блузу с бантом.

Женское пальто в 30-е годы шили прямого приталенного силуэта. Длина пальто обычно доходила до средины икр. Модели были двубортные либо однобортные. Чаще они имели широкие лацканы, большие карманы, предполагалось наличие крупных пуговиц. Чтобы подчеркнуть узкую талию, нередко использовали различные пояса. Распространенными были пелерины: от самых коротких моделей до длинных накидок.

Обувь и аксессуары

Аксессуары во все времена являются важной частью любого наряда. Это же касалось и моды в тот период. Несмотря на тяжелое финансовое положение, каждая женщина непременно старалась носить оригинальные аксессуары.

Женская стильная шляпка считалась наиболее популярным и модным аксессуаром. Если приобрести новое платье или костюм в то время могли позволить себе не многие, то купить шляпку могли все. В тот период начали создаваться самые оригинальные головные уборы. Они были разной формы, размеров.

В начале 30-х годов головные уборы для женщин были небольшими, их шпильками закрепляли на волосах. Позже стали появляться береты в виде тарелок или колоколов. Изделия были столь разнообразны, что выделить их в один стиль было невозможно. Объединяло их то, что их принято было носить наискосок, сдвинув на лоб.

Многие дамы приобретали шляпки различных фасонов на все случаи жизни, собирая целые коллекции головных уборов. Шляпки от известного в то время дизайнера Эльзы Скиапарелли являлись самыми модными и востребованными. Модными также были шелковые тюрбаны, ажурные шали, тончайшие сеточки с бусинками, служащие украшением прически.

Сумочки по форме напоминали конверт. Они не имели ручек и закрывались на пластмассовую защелку. Обычно цвет этого аксессуара совпадал с оттенком шляп и перчаток.

Именно перчатки считались неотъемлемой частью женского гардероба. Носили их круглый год. Длина их была различной, чаще можно было найти модели выше локтя. Более короткие модели часто носили с летними легкими платьями без рукавов. Чтобы образ был завершенным, даме 30-х годов необходимо было иметь шляпку, сумочку-конверт и перчатки.

В качестве дополнительных аксессуаров использовали:

  • накидки из меха песца или лисы;
  • банты или шарфы на шею;
  • вуали;
  • мундштук;
  • бусы из жемчуга, завязанные узлом.

Дополняли образ тончайшие чулки темного цвета. Изготавливали их из шелка и нейлона. А также модными были чулки-сетка.

Модными считались туфли на устойчивых каблуках высотой около 6–8 см. Популярна была обувь и на очень низком каблуке. Это были туфли с ремешками на подъеме или пуговицами в качестве застежки. Чаще шили модели с неглубоким вырезом. Носочек изделий был скругленный, чуть зауженный. Самыми модными считались двухцветные модели, подчеркивающие оригинальность изделия.

Очки от солнца стали новшеством того времени. В качестве украшений также использовались яркие броши, необычные колье. Их украшали стразами и разноцветными искусственными камешками. А также популярными были украшения в виде искусственных цветов. Использовали их для шляпок или твидовых костюмов.

Прически и макияж

В отличие от 20-х годов эстетика 30-х немного изменилась. Касается это и макияжа. У него появились свои особенности.

  1. Тоненькие, выщипанные брови в виде ниточек. Нередко их даже полностью сбривали и рисовали новую форму черным карандашом.
  2. Использование в макияже серых, зеленых, коричневых, голубых и фиолетовых теней. Для вечернего макияжа брали мерцающие оттенки, в дневное время наносили матовые тона.
  3. Выбор розовых и малиновых румян. Их аккуратно растушевывали, а не оставляли в виде яркого пятна.
  4. Искусно подкрученные тушью реснички делали взгляд более открытым. Для вечеринок использовали накладные ресницы. Подводка для глаз заслуживала особого внимания. Линия проводилась очень тонкая и изящная, это придавало глазам естественности.
  5. В отличие от макияжа 20-х годов, губы больше не прорисовывали контуром в виде бантика, их четко окрашивали, не уменьшая контур.

Образцами для подражания оставались долгое время известные киноактрисы, их копировали во всем: в одежде, макияже и прическах.

В 20–30-х годах женщины все чаще начали состригать свои длинные волосы, в моду начали входить модные стрижки «боббет». Многие стали стричься под гарсон, пикси, делали прическу Титуса. Укладка «холодная волна» из крупных завитков была в то время невероятно популярна. Использование невидимок, зажимов, гребешков помогало сделать образ завершенным и сохраняло укладку в первоначальном виде на длительное время.

Модные образы

Интересных образов много.

  • Вряд ли можно устоять перед красавицей из Чикаго, одетой в шикарное черное платье. Нить жемчуга, мундштук, длинные атласные перчатки и блестящий мех на плече являлись главными атрибутами сердцеедок.
  • Наиболее популярные прически 30-х годов.
  • Стильные аксессуары являются незаменимой частью для создания модного образа в духе бандитского Чикаго.

Мода 30-х годов

Содержание:


Мода 30-х годов — это эпоха спокойной, «холодной» элегантности, отточенных простых форм и выверенных линий. Афишировать богатство так, как это было присуще предыдущему десятилетию джаза, стало неприлично. Поэтому показная роскошь уступила позиции своеобразному «незаметному шику».

 

Женская мода 30-х годов


Десятилетие принесло моду с «новым лицом». Образ пацанки в короткой юбке, с дерзкой челкой, — перестал быть актуальным. Женские наряды удлиняются, волосы отращиваются и завиваются в привлекательные локоны. Идеал красоты — Грета Гарбо, ставшая легендой еще при жизни. Миллионы модниц выщипывают брови, ополаскивают волосы ромашковым настоем, словом, делают всё для того, чтобы приблизиться к иконе стиля.

 

Материалы

Одежда в стиле 30-х годов — это трикотаж во всем своем многообразии (хлопчатобумажный, шерстяной, шелковый), используемый для пошива свитеров, джемперов, кардиганов, пуловеров и даже платьев с костюмами. Актуальны также повседневные наряды из муслина, твида, вискозы, полотна, маркизета, перкаля, файдешина, всевозможных крепов и твидов.

Кроме этого, дизайнеры предлагали женщинам вечерние варианты туалетов — нарядные блузы и шикарные пижамы из гипюра, парчи, шелка, шифона, бархата. В середине десятилетия модной становится блестящая фактура ткани (атлас, ламе).

Модные детали

Многочисленные драпировки, складки и прочие детали на одежде должны были приближать женскую фигуру к облику, который на тот момент считался идеальным, – дама с узкими бедрами и талией, небольшим бюстом и удлиненным стройным силуэтом. В тренде выразительные украшения для вечерних нарядов — пайетки, стразы, перья, вышивка, бисер, хрустальные блестки.


Актуальные модели

Символ моды 30-х – юбки и платья, длина которых резко поползла вниз практически разу после банковского кризиса 1929 года. Сначала «выжившие» Дома моды удлинили модели одежды до середины икры, а затем — почти до самой щиколотки. Модные, но малообеспеченные дамы удлиняли свои старые платья и юбки, пришивая к ним клинья с оборками.

Большинство женщин в период «Великой депрессии» вынуждены были взвалить на свои плечи нелегкий груз новых проблем. И стиль 30-х годов своеобразно отразил это в моделях одежды. Эффект широких, а значит, сильных плеч зрительно достигался при помощи подплечников, шарфов, многослойных воланов, крылышек и сборок на рукавах.

 

В эту самую эпоху впервые появились раздельные купальники, которые тогда наделали в обществе немало шума.

К концу десятилетия в моду входят модели, соответствующие стилю военного времени — платья Х-образного силуэта, юбки до колена, пояса и верхняя одежда с накладными карманами. Еще один тренд — модели с пышной юбкой и туго затянутой талией.

Тенденции

Мода этой сложной эпохи стала носить массовый характер. Законодателем гламурного стиля являлся Голливуд, его кинозвезды — Марлен Дитрих, Грета Гарбо, Джин Харлоу, Кэрол Ломбард, Мэй Уэст. Готовой одеждой впервые начали торговать при помощи каталогов, рассылаемых по почте. Издания распространяли среди женщин популярные дизайнерские модели миллионными экземплярами.

 

Доступным развлечением оставался спорт. Во всем мире шла пропаганда здорового образа жизни, создавались объединения и гимнастические союзы. Элитарные виды спорта (теннис, гольф, авиа- и автоспорт) и соответствующие им костюмы нашли свое отражение в моде 30-х годов. Однако постепенно спортивные наряды превратилась просто в одежду для отдыха.

  • Тренд эпохи: спортивные шорты. Впервые эту деталь гардероба на корт надел Генри Уилфрид Остин в 1932 году во время Уимблдонского турнира. Спустя год его примеру последовала теннисистка Элис Марбл.


Прекрасные вечерние туалеты требовали от модниц не только идеальной фигуры, но и идеального нижнего белья. Появляется эластичное белье с латексом, корсеты и пояса для чулок, которые отлично утягивали бедра и талию.

 

Модные цвета и принты

И в женской, и в мужской моде 30-х годов актуальна геометрия — полоска и клетка. Также пользовались популярностью ткани в горошек и с мелкими цветочными узорами.

В летней повседневной одежде отдавалось предпочтение белому цвету. Актуальными цветами вечерних нарядов с середины 30-х годов стали золотой и серебряный.


Платья в стиле 30-х


Распространенная модель повседневного платья — наряд темного цвета с белым воротничком.

 

Вечерние и коктейльные платья были откровенно женственными и соблазнительными — того требовал гангстерский стиль Чикаго 30-х. Длина нарядов для выхода варьировалась от колена и до щиколотки, но иногда она всё же поднималась и до колена. На смену рукавам пришли смелые бретельки. Актуальны модели облегающего силуэта с оголенной спиной и глубоким декольте. Талия на платье была слегка заниженная, но это уже считалось прогрессом, ведь в предыдущем десятилетии акцент на этой части женского тела отсутствовал вовсе либо талия на нарядах была занижена почти до середины бедра.

  • Тренд эпохи: косой крой подола. Такие модели вечерних платьев позволяли особенно красиво обрисовать дамскую фигуру.


Длинные вечерние туалеты без проблем позволяли исполнять модные танцы 30-х годов — свинг, фокстрот, танго.

 

К платьям в стиле Чикаго время от времени обращаются современные модельеры. А Ральф Лорен посвятил моде начала прошлого века свою предпоследнюю коллекцию.


Костюмы в стиле 30-х


Костюмы этой эпохи смотрелись куда менее эффектно. Да и женщины, надевающие традиционно мужские вещи, в то время еще продолжали вызывать сильное раздражение. Однако брючный костюм был и практичней, и удобней в носке, особенно для деловых женщин.

Фасоны костюмов характеризовались большим разнообразием отделок и линий. В целом крой нарядов усложнился, он опирался на геометрию — это придавало женскому силуэту четкость.

 

Понятие единого ансамбля в женском костюме в 30-е годы отсутствовало. Сложная экономическая ситуация практически стерла его с лица моды. Подбирать одежду в комплекте стало слишком расточительным, но тут сыграли свою неоценимую роль аксессуары.


Верхняя одежда в стиле 30-х


На вечер, а также на прохладную погоду выбирался плащ самой простой вариации — пелерина до бедер или талии с прорезями для рук, расположенными спереди. Не менее стильной, зато более доступной верхней одеждой были треугольные шали, палантины, широкие шарфы с бахромой или кистями. Такие детали гардероба ценились модницами за свою универсальность — сегодня носишь его так, завтра — уже совершенно по-другому.


Обувь в стиле 30-х


Тренд эпохи — туфли с закругленным носком и фигурным каблучком средней толщины и высоты. Желательным элементом обуви являлся ремешок на подъеме ноги или вокруг лодыжки. Именно такие туфли как нельзя лучше дополняли женственность платьев и сглаживали мужественность брючных костюмов. Обувь для вечернего выхода в свет нередко обтягивали серебряной или золотой тканью и украшали декоративной пряжкой.

 

Увлечение летними видами спорта обусловило моду на босоножки — обувь с открытым носком и пяткой. Их надевали как на белые носочки, так и на голую ногу.

С 1938 года в моду вошла обувь на танкетке и невысокой платформе. Этот тренд стал совместной заслугой итальянского обувщика Сальваторе Феррагамо и парижского кутюрье Жака Хейма.


Мужская мода 30-х годов


Для мужчин той эпохи мода стала более консервативной. Законодателем стиля по-прежнему оставался Эдуард VIII, герцог Виндзорский. Именно он ввел в моду небрежную и какую-то «усталую» элегантность. А благодаря Фреду Астеру, популярному в те года киноактеру, вернул свои позиции фрак.

 

Тренды массовой мужской моды — стандартные костюмы с широкими плечами и приталенными пиджаками, брюки с отворотами. Головной убор — обязательный атрибут повседневной одежды в стиле 30-х, это была фетровая шляпа или кепка.

Актуальная мужская прическа 30-х — волосы средней длины, зачесанные («зализанные») назад и зафиксированные воском. Обувь — классические ботинки со скругленным квадратным или овальным носком.

  • Тренд эпохи: гамаши (как правило, белые) — своеобразные чехлы, которые не только предохраняли обувь от намокания (а в кризисное время вообще приходилось относиться к гардеробу максимально бережно), но и стали модной деталью стиля 30-х.


Аксессуары под гардероб 30-х


Основной тенденцией стиля 30-х годов было собирать комплекты из сумочки, шляпки, обуви и перчаток. Все эти аксессуары подбирались в одном цвете. Модные фасоны шляп — широкополые и, напротив, совсем крошечные.

 

Нарядные платья модницы дополняли головной лентой, декорированной цветками, перьями, блестками. Сумочка для вечернего выхода в свет подбиралась в виде конверта, который носился под мышкой, а не на лямке. Актуальный элемент 30-х годов — перчатки. 

  • Тренд эпохи: удлиненные модели перчаток из бархата и шелка, а также модели с большими раструбами.


Непременными атрибутами женской моды 30-х годов являются также чулки, боа из перьев и длинный изящный мундштук (курящий женский пол тогда был в тренде).

 

В качестве украшения для шеи использовались меховые горжетки из чернобурки и песца, банты, ожерелья из позолоченных звеньев и искусственных кристаллов, длинные бусы. Настоящие драгоценности в эпоху «Великой депрессии», увы, были непозволительной роскошью. Поэтому десятилетие ознаменовалось первым модным бумом дешевой бижутерии. 

  • Совет стилиста: удачным дополнением к ретроплатью в стиле Чикаго станет длинная нить жемчуга (пусть даже искусственного), завязанная на узел под грудью.


Прически в стиле 30-х


По-мальчишески озорные прически 20-х годов сменились женственными укладками 30-х годов. Тренды десятилетия — завитки и волны, создающие эффект тяжелых, густых и блестящих волос. Для этого использовались бигуди, химическая и холодная завивка (без использования завивочных средств — только женские пальчики и шпильки с невидимками).

 

С началом 30-х годов в моду пришло радикальное осветление волос. Законодательницей блонда стала популярная актриса Джин Харлоу, которой старались подражать, используя не только профессиональные краски для волос, но даже перекись и отбеливатели для стирки белья.


Макияж в стиле 30-х


Макияж эпохи полностью соответствует гангстерскому духу того времени. Главные акценты мейк-апа — бархатистая бледная кожа, ярко накрашенные глаза и алые губы. Тренд — тщательно выщипанные брови-ниточки, «удивленный» изгиб которых прорисовывался темным карандашом. Макияж глаз призван был придавать взгляду драматизм, для чего темные тени наносились слегка угловато и почти до самой переносицы. Завершала образ соблазнительная мушка над губой или на щеке. 

Вам за 30? Избегайте этих 6 ошибок стиля

Для многих мужчин тридцатилетие – время волнующих изменений в жизни; покупка домов, продвижение по службе, создание семьи и многое другое. Хотя эти конкретные примеры применимы не ко всем мужчинам, факт остается фактом: все мы взрослеем и со временем меняемся – а это значит, что наш внешний вид должен отражать такое развитие! Чтобы не выглядеть так, будто вы все еще привязаны к стилям и привычкам подростков и двадцати лет, ознакомьтесь с этими шестью советами.

Теперь вы полноценный взрослый человек, и в вашем стиле должен быть определенный уровень зрелости, такой, при котором вы выглядите молодо, но в то же время соответствуете возрасту. Все, что слишком молодо, заставит вас выглядеть так, как будто вы еще не выросли. В то же время то, что кто-то ожидает от вас определенной одежды, не означает, что вы должны это делать. Поиск собственного стиля, который вам подходит, хорошо смотрится на вас и заставляет вас чувствовать себя хорошо, должно быть вашим первым приоритетом. Но поскольку часто бывает трудно ясно увидеть себя, мы составили список способов, которыми мужчины впадают в привычки, которые не являются их сознательным выбором и которые могут негативно повлиять на то, как они выглядят в этом конкретном возрасте.

Вы определенно можете сказать, что стиль Рафаэля эволюционировал и изменился с течением времени.

6 ошибок стиля, которых следует избегать из-за 30

1. Носите ту же одежду, что и в старшей школе

Первая ошибка стиля – это когда что-то в вашем репертуаре такое же, как в старшей школе. С некоторыми вещами легко освоиться, но ваш стиль и внешний вид должны развиваться вместе с вами с возрастом. Быть немного привязанным – это нормально, но совсем не обязательно носить ту же старую спортивную футболку, когда выполняешь все свои дела.

Та же старая комбинация одежды

Вам уже за тридцать, поэтому вы, вероятно, больше не выглядите подростком. Сохраните свою старую одежду для покраски и других домашних дел, но не для повседневной носки. К ним относятся мешковатые джинсы с прямыми штанинами, футболки с графическим рисунком, а также большие поло и футболки.

Они не только менее модны, но и не входят в классический стиль.

Вы все еще носите те же комбинации, что и в старшей школе? Например, визуально наслоить футболку пуговицами или рубашкой-поло.Это добавит лишней пухлости вашей верхней половине. Видимая белая рубашка удешевляет внешний вид и отвлекает внимание. Вместо этого купите футболки с v-образным вырезом, если вы предпочитаете дополнительный слой майки.

Устаревшие прически

Один из худших нарушителей в этой категории – ваша стрижка, потому что она спереди и по центру; все это видят. Если вы не меняли стрижку со школы, скорее всего, пришло время обновить ее. Прошло более десяти лет, и определенно пора двигаться дальше (если только у вас не была действительно вневременная стрижка, а ее сделали не многие из нас)!

Эта гелевая остроконечная стрижка могла быть «модной» 15 лет назад, но она не подобает мужчине в возрасте от 30 до 30 лет.

Одним из наиболее частых нарушений, которые мы все еще наблюдаем сегодня, является гелеобразная, «короткая и острая» стрижка. Даже если ваши волосы не обесцвечены, это все равно бесполезная распродажа для школьных причесок. Если вы не уверены, какая прическа подойдет вам лучше всего, возможно, позвоните другу, чья прическа вам нравится, и спросите его мнение, или даже спросите, можно ли вам пойти к их стилисту. Кроме того, дважды подумайте, прежде чем вернуться к своему нынешнему стилисту или парикмахеру, поскольку они, скорее всего, будут продолжать давать вам то же самое.

2. Незнание вашего личного стиля

Еще одна ошибка, которую делают мужчины в возрасте 30 лет, – это не знать, какой у них стиль или что на них хорошо смотрится. Это актуально как для мужчин, любящих стиль, так и для тех, кому он мешает. Если вы разочарованы тем, что вам нужно решить, что надеть в этом возрасте, возможно, это и есть корень проблемы. Вам уже исполнилось 30 лет, так что пора разобраться.

Кайл удобно одет в свой темно-синий костюм с сине-серым галстуком в полоску и бордовым шелковым нагрудным платком с узором пейсли.

Найдите время и ответьте на следующие вопросы:

  • Что я хочу чувствовать, когда одеваюсь?
  • Что для меня важно в стиле?
  • Каков мой бюджет?
  • Что меня постоянно заставляет чувствовать себя хорошо, когда я его ношу?
  • Какие пробелы в моих знаниях мешают мне выбрать нужный гардероб?

Возможно, расширение вашей библиотеки мужской одежды вдохновит вас.

  • Какие ошибки я постоянно совершаю при покупке, о чем потом сожалею?
  • Какие пробелы в моем гардеробе мешают мне выглядеть так, как я хочу?
  • Я борюсь с выбором слишком большого количества одежды или ее недостатком?
  • Хочу ли я сделать это самостоятельно или посоветоваться с другими людьми и другими ресурсами?

Возьмите ответы на все эти вопросы и запишите их.Это создаст что-то вроде диаграммы Венна, которая приведет вас к вашему идеальному образу.

Комфортный и уверенный вид для Кайла [Галстук: Шелковый галстук из марены в оранжево-красном с зеленым Маклсфилд аккуратный – Форт Бельведер]

Выяснить, что вам нравится, а что работает для вас, очень важно. Это поможет вам стать более эффективным покупателем, тратить меньше денег и получать больше удовольствия от того, что вы покупаете. Даже если это означает, что вы разрабатываете униформу, это вполне приемлемо и лучше, чем пытаться носить любой стиль.

3. Переноска рюкзака

Если вы не в походе, в рюкзаках взрослые мужчины выглядят как взрослые школьники, независимо от вашего возраста. Я не собираюсь спорить, что они бесполезны, как во время путешествий, но для любого профессионального сценария пора отказаться от рюкзака. Если вам за 30, ваша одежда и вкус, надеюсь, изменились со времен учебы в колледже и старшей школе, но рюкзак – это своего рода пережиток того времени. Кроме того, рюкзак мнет рубашки, мнет плечи куртки и вызывает потливость спины.

Прекрасный пример того, как рюкзак может испортить ваш образ

4. Не одеваться каждый день

То, что вы носите дома, должно главным образом соответствовать тому, что вам нравится, но я действительно считаю полезным одеваться каждый день. Вы готовы к работе, когда захотите, и гораздо проще мысленно выйти из «режима ожидания». Несомненно, намного легче оставаться в поту весь день даже во время выполнения поручений, но это определенно не сделает вас зрелым для своего возраста.

На Кайле темно-синий пиджак с бело-синей классической рубашкой и нагрудный платок из шелковой шерсти цвета мха из форта Бельведер, контрастирующий с его зелеными брюками.

5. Ношение незрелых джинсов

Джинсы, в отличие от брюк чинос или других классических брюк, со временем стареют гораздо быстрее. Тенденции выцветания, деталей и стирки заставляют джинсы эволюционировать быстрее. Таким образом, неподвластное времени качество не зависит от современной тенденции джинсов. Но поскольку стили предыдущих десятилетий были далеко не вневременными, большинство джинсов вашего подросткового и 20-летнего возраста будут выглядеть устаревшими, даже если вы все еще можете в них вписаться!

Украшенные чрезмерно выцветшие джинсы – НЕ

Я тоже признаю, что делал это.Некоторые из моих любимых джинсов, которые у меня были на протяжении многих лет, даже порвались, потому что я слишком долго их хранил.

6. Ношение незрелой обуви

Аналогичным образом, повседневная обувь может создавать юношеский эффект. Это может означать ношение шлепанцев или сандалий не только на пляже, но и в других местах. Как и многие люди здесь, на Среднем Западе, иногда носят грязные кроссовки где-нибудь, кроме работы во дворе. Обувь – ключевое место, где можно показать, что ваш стиль такой же зрелый, как и вы.

Сандалии и костюмы явно не подходят друг другу

Если вам нравятся кроссовки, обязательно их наденьте. Но мы бы посоветовали избавиться от всего старого и грязного и вместо этого выбрать что-нибудь чистое, свежее и немного более зрелое. Старайтесь всегда содержать их в чистоте. В общем, постарайтесь приберечь для пляжа любые сандалии. Чтобы начать свою коллекцию зрелой обуви, вы можете воспользоваться преимуществом стиля и универсальности, которые могут предложить незаменимая классическая обувь.

Эти коньячные Antique Wingtips от Ace Marks – типично вневременной вариант

Заключение

Определенные десятилетия, кажется, коррелируют с определенным набором стилевых ошибок.Помните об этом, чтобы не совершать их и рисковать выглядеть небрежно. Помните, что в ваших нарядах всегда должно быть достаточно зрелости, чтобы выглядеть лучше всего в свои 30 и даже старше.

Кайл, которому чуть за тридцать, одетый в зеленый вязаный свитер в сочетании с кремовыми джинсами и коричневыми плетеными кожаными сапогами

Какая ваша любимая техника стиля, которую вы открыли (или применили) в свои 30 лет? Поделитесь с нами в комментариях!

Хорст: Фотограф стиля – О выставке

Mainbocher Corset (розовый атласный корсет от Detolle), Париж, 1939 г.© Condé Nast / Horst Estate

6 сентября 2014 г. – 4 января 2015 г.

Сейчас в международном турне

«Мода – это выражение времени. Элегантность – это снова нечто иное ».
Хорст, 1984

Хорст П. Хорст (1906–1999) создавал образы, выходящие за рамки моды и времени. Он был мастером света, композиции и атмосферных иллюзий, создавшим мир чувственной изысканности. За выдающуюся шестидесятилетнюю карьеру его фотографии украшали страницы Vogue и House and Garden под фотографической подписью из одного слова «Хорст».Вместе с Ирвином Пенном и Ричардом Аведоном он считается одним из выдающихся фотографов моды и портрета 20-го века.

Хорст, международный деятель, работал преимущественно в Париже и Нью-Йорке. Он родился в Германии и стал гражданином США в 1943 году, сменив фамилию с Борманна на Хорст. Его необычайный диапазон работ вне фотостудии выражает неослабевающее визуальное любопытство и пожизненное стремление к новым вызовам. Огромная коллекция гравюр, рисунков, блокнотов, альбомов и писем, которые Хорст бережно хранил на протяжении всей своей жизни, наряду с тысячами гравюр в архивах Condé Nast, свидетельствуют о его виртуозном таланте.


Haute Couture

Шляпа и пальто-платье от Bergdorf Goodman, модель Эстреллы Буассевен, 1938. © Condé Nast / Horst Estate

Когда Хорст присоединился к Vogue в 1931 году, Париж по-прежнему оставался бесспорным центром высокой моды в мире. Фотография начала вытеснять графическую иллюстрацию в модных журналах, и издатель Condé Montrose Nast потратил большие суммы на улучшение качества воспроизведения изображений. Он настоял на том, чтобы фотографы Vogue работали с широкоформатными фотоаппаратами, которые производили детализированные негативы размером десять на восемь дюймов.

Создание фотографии Хорста было совместным процессом, в котором участвовали таланты фотографа и модели, арт-директора, модного редактора, ассистентов студии и техников по декорациям. В 1930-е годы профессия модели все еще зарождалась, и многие из тех, кто позировал под горячим светом студии, были стильными друзьями сотрудников журнала, часто актрисами или аристократами.

К середине 1930-х годов Хорст сменил своего наставника Джорджа Хойнингена-Хюэна на посту главного фотографа парижского Vogue.Его изображения часто появлялись во французских, британских и американских изданиях журнала. Многие из представленных на выставке фотографий являются винтажными принтами из архива компании.


Сюрреализм

Костюмы Сальвадора Дали для балета Леонида Мясина «Вакханалия», 1939. © Condé Nast / Horst Estate

Сюрреалистическое движение исследовало уникальные способы интерпретации мира, обращаясь к мечтам и бессознательному за вдохновением. В 1930-е годы сюрреализм ускользнул от радикальных авангардных корней и изменил дизайн, моду, рекламу, театр и кино.

Фотографии Хорста этого периода содержат загадочные, причудливые и сюрреалистические элементы в сочетании с его классической эстетикой. Он создавал натюрморты в стиле trompe l’oeil, фотографировал сюрреалистические наряды своей подруги Эльзы Скиапарелли и сотрудничал с художником Сальвадором Дали. Он разделял с сюрреалистами восхищение изображением женского тела, часто фрагментируя и эротизируя человеческую форму в своих изображениях.

Его самая знаменитая фотография той эпохи – Корсет Майнбоше (1939).Спустя десятилетия после того, как фотография была сделана, сам Майн Боше выразил свое восхищение виртуозностью Хорста, написав,

«Ваши фотографии просто гениальны и радуют мою душу… каждая из них совершенна сама по себе».


Сцена и экран

Марлен Дитрих, Нью-Йорк, 1942. © Condé Nast / Horst Estate

Портреты Хорста охватывали широкий круг людей – от художников и писателей до президентов и членов королевской семьи. В 1930-х годах он осознал новую направленность своей работы.Как он позже отмечал в своей книге «Салют тридцатым годам» (1971), гламурные голливудские кинозвезды незаметно заняли место, оставленное исчезающими королевскими семьями Европы. С приближением Второй мировой войны эскапизм, предлагаемый театром и кино, стал популярным. Хорст начал фотографировать этих новых неклассовых знаменитостей, как в костюмах, так и самих себя.

Первой известной звездой, которую сфотографировал Хорст, была английская исполнительница Гертруда Лоуренс, которая затем появилась в пьесе Рональда Джинса «Может леопард…?» в Королевском театре, Хеймаркет.Первый портрет голливудской актрисы Бетт Дэвис, сделанный Хорстом, появился в журнале Vanity Fair, родственном Vogue, в 1932 году.


Travel

Вид на руины дворца Персеполис, Персия, 1949 год. © Condé Nast / Horst Estate

Летом 1949 года Хорст отправился на Ближний Восток со своим партнером Валентином Лоуфорд, тогдашним политическим советником посольства Великобритании в Тегеране. Они поехали по дороге из Бейрута в Персеполис, где Хорст смог сфотографировать части древнего персидского города, которые были обнаружены совсем недавно.После этого Хорст посетил недавно созданное Государство Израиль с фотографическим заданием для Vogue.

Поездка произвела сильное впечатление на Хорста, и он вернулся весной 1950 года. Он провел неделю с Лоуфордом на относительно удаленном юго-восточном берегу Каспийского моря, прежде чем задокументировать ежегодную миграцию клана Кашкаи. Малик Мансур Хан Кашкаи пригласил Хорста и Лоуфорда провести десять дней со своим племенем, путешествуя на верблюдах и лошадях в поисках растительности для своих стад.


Узоры из природы

Узоры из фотоколлажа из природы, около 1945 г. © Condé Nast / Horst Estate

Вторая книга Хорста, «Узоры из природы» (1946), и фотографии, из которых она возникла, – удивительное развлечение. высокий гламур его модных фотографий и фотографий знаменитостей. Эти черно-белые изображения растений, ракушек и минералов крупным планом были сделаны в Ботаническом саду Нью-Йорка, в лесах Новой Англии, в Мексике, а также на побережьях Атлантического и Тихого океана.

Этот личный проект частично вдохновлен фотографиями растений Карла Блоссфельдта (1865–1932). Хорста поразило «их открытие сходства растительных форм с такими формами искусства, как кованое железо и готическая архитектура». Интерес Хорста был также связан с технической чистотой «фотографического видения» – философии, связанной с движением Новой Объективности 1920-х годов. и 30-е гг. Практикующие извлекли естественные формы из своего контекста и исследовали их с таким пристальным вниманием, что они стали незнакомыми и открытыми.


The Studio

Хорст руководил съемкой модной одежды с Лизой Фонсагривс, 1949. Фото Роя Стивенса / Time & Life Pictures / Getty Images

В 1940-х годах Хорст работал в основном в студии Condé Nast на 19-м этаже здания Graybar. , небоскреб в стиле ар-деко на Лексингтон-авеню на Манхэттене. Оживленная студия была хорошо оборудована множеством источников света и реквизита, и Хорст тесно сотрудничал с талантливым арт-директором Александром Либерманом. Как и Хорст, он нашел убежище в художественных кругах Парижа и Нью-Йорка и провел долгую карьеру в Condé Nast.

К 1946 году одевание американских женщин стало одной из крупнейших отраслей промышленности страны, приносящей более шести миллиардов долларов в год. Соответственно расширился штат Vogue. В 1951 году Хорст основал собственную студию, бывший пентхаус художника Павла Челищева, с высокими потолками и прекрасным видом на реку. Хорст разработал новый подход к фотографии в ответ на обилие дневного света, и на какое-то время его знаменитые атмосферные тени исчезли.


Мода в цветах

Костюм и головной убор от Скиапарелли, 1947 год.© Condé Nast / Horst Estate

1930-е годы ознаменовали собой огромный технический прогресс в цветной фотографии. Хорст быстро адаптировался к новому визуальному словарю, создав одни из самых ярких цветных изображений Vogue. В 1935 году он сфотографировал русскую принцессу Надежду Щербатов в красном бархатном пиджаке для первой из своих многочисленных обложек Vogue.

Оккупация Парижа изменила мир моды. Большинство французских ателье закрылось, а многие кутюрье и покупатели покинули страну.Оставшиеся предприятия боролись с острой нехваткой ткани и других материалов. Однако нехватка французской моды в Америке позволила американским дизайнерам проявить себя.

Цветные фотографии Хорста выставляются редко, потому что существует мало старинных гравюр. Цветовой захват происходил на прозрачной пленке, которую можно было воспроизвести на странице журнала без необходимости создания фотографического отпечатка. Размер новых гравюр, представленных в этом зале выставки, перекликается с большим размером группы изображений Хорста, напечатанных в 1938 году в прессе Condé Nast.


Стиль жизни

Баронесса Полин де Ротшильд в своей квартире в Париже, 1969, © Conde Nast / Horst Estate

В 1947 году Хорст приобрел пять акров земли в Ойстер Бэй Коув, Лонг-Айленд, часть поместья, когда-то принадлежавшего от дизайнера Луи Комфорт Тиффани. На земле, которую он описал как «все, о чем я когда-либо мечтал», Хорст построил уникальный дом и благоустроенный сад. Британский дипломат Валентин Лоуфорд впервые посетил его в 1947 году вместе с Ноэлем Кауардом, Кристофером Ишервудом и Гретой Гарбо.Это было началом отношений с Хорстом, которые продлились до смерти Лоуфорда в 1991 году.

Они приветствовали многих друзей и гостей на Лонг-Айленде, в том числе динамичного редактора Диану Вриланд. Она ушла из Harper’s Bazaar в Vogue в 1962 году и вскоре заставила пару поработать на страницах Vogue «Мода в жизни». В их статьях были представлены дома и вкусы каждого, от Джеки Онассиса до герцога и герцогини Виндзорских, Энди Уорхола и Карла Лагерфельда. Творческая химия Хорста с Вриландом дала ему новую жизнь.


Обнаженная натура

Обнаженная натура, 1952 год. © Condé Nast / Horst Estate

В начале 1950-х годов Хорст сделал серию отличительных фотографий, в отличие от большей части его предыдущих работ. Эти исследования мужской фигуры были впервые представлены в Париже в 1953 году и переизданы с использованием платино-палладиевого процесса в 1980-х годах.

Исследования иллюстрируют чувство формы у Хорста. Все внимание уделяется идеализированному человеческому телу, выразительному свету и тени. Монументальные и анонимные обнаженные тела напоминают классические скульптуры.Как прокомментировал Мехемед Ага (1929-78), арт-директор американского Vogue:

«Хорст берет инертную глину человеческой плоти и моделирует ее в декоративных формах, которые он сам придумал. Каждый жест его моделей спланирован, каждая линия контролируется и согласовывается со всей картиной. Некоторые жесты выглядят естественно и небрежно, потому что тщательно отрепетированы; другие, как бог Вольтера, были изобретены художником, потому что их не существовало ».


Платина

Круглосуточно, Нью-Йорк, 1987.© Condé Nast / Horst Estate

В 80-е годы появились новые книги, выставки и телевизионные документальные фильмы о Хорсте. Он создавал новые гравюры для музеев и коллекционеров, отбирая знаковые работы каждого десятилетия своей карьеры для перепечатки платино-палладиевым покрытием, иногда с новыми названиями. Это была сложная и дорогая техника, в которой использовались металлы дороже золота. Из-за недостатка зрения он наконец бросил работу в 1992 году.

Платиново-палладиевые отпечатки Хорста ценятся за их тонкие нюансы, качество поверхности и стойкость.Его стиль пережил ренессанс в 1978 году, когда главный редактор французского Vogue Франсин Кресент пригласила его сфотографировать коллекции в Париже. Работа Хорста для нее перекликалась с его атмосферными яркими исследованиями 1930-х годов. Использование им платинового процесса для создания новых и воспроизведения ранних работ гарантировало, что его мастерство в отношении света, настроения и композиции понравится новой аудитории.

Королева Елизавета II через годы

BettmannGetty Изображений

Елизавета, жившая дольше всех правящая монарх, стала королевой в 1952 году в возрасте 25 лет после смерти своего отца, короля Георга VI.С тех пор она работала с более чем 15 премьер-министрами за ее более чем шесть десятилетий на троне, все время выполняя службы, помолвки и заграничные визиты. Она также разделила свои королевские обязанности со своим покойным мужем, которому более 73 лет, принцем Филиппом (который скончался 9 апреля 2021 года), их четырьмя детьми, внуками и – в будущем – правнуками.

Впереди взгляните на снимки из жизни монарха, от определяющих королевских вех до редких, интимных моментов с ее семьей.

Просмотр галереи 105 Фото

1 из 105

1927 г.

Принцесса Елизавета со своей матерью, герцогиней Йоркской, в 1927 году.

2 из 105

1932 г.

В очаровательном наряде балерины с цветочной короной и перчатками без пальцев. На момент создания этой фотографии она была принцессой Елизаветой, дочерью герцога и герцогини Йоркских.

3 из 105

1937 г.

С ее отцом королем Георгом VI, ее матерью королевой Елизаветой и сестрой принцессой Маргарет в их коронационных одеждах в 1937 году.

4 из 105

Конец 1930-х гг.

Во время своего королевского визита в Южную Африку король Георг VI, королева Елизавета, принцессы Маргарет Роуз и Елизавета позировали для семейного фото.

5 из 105

1940 г.

Принцесса Елизавета занимается наездницей с юных лет, поэтому неудивительно, что принцы Чарльз, Уильям и Гарри – все игроки в поло.

6 из 105

1940 г.

Принцесса Елизавета сделала небольшой перерыв в чтении, чтобы быстро сфотографироваться на крыльце Виндзорского замка.

7 из 105

1942 г.

Вот она со своей сестрой принцессой Маргарет (справа) и очаровательным щенком ласо апсо в Королевской Ложе в Виндзоре.

8 из 105

1942 г.

Не связывайтесь с принцессой Елизаветой, которая в униформе девушек-гидов выглядит как босс во Фрогморе, Великобритания.

9 из 105

1944 г.

Принцесса в платье с цветочным принтом и жемчугом писала записку за своим столом в Виндзорском замке.

10 из 105

1945 г.

Принцесса Елизавета была сфотографирована в униформе британской армии. На момент создания снимка она была вторым младшим офицером (эквивалентным второму лейтенанту) Вспомогательной территориальной службы (ATS) британской армии.

11 из 105

1946 г.

Принцесса Елизавета пишет записку на своем столе в Букингемском дворце.

12 из 105

1947 г.

Королева носила атласное платье, жемчужное ожерелье и браслеты, пока читала за своим столом в Букингемском дворце.

13 из 105

1947 г.

Со своим женихом, принцем Филиппом, герцогом Эдинбургским.

14 из 105

1947 г.

Обрученная пара была сфотографирована в Букингемском дворце незадолго до их потрясающей свадьбы.

15 из 105

1947 г.

Молодожены выглядят такими влюбленными и счастливыми во время медового месяца в Бродлендсе, Ромси, Хэмпшир.

16 из 105

1947 г.

Принцесса Елизавета выглядела по-королевски женственной в своем нежно-розовом платье, простых украшениях и завитых волосах для помолвочной фотосессии с принцем Филиппом.

17 из 105

1947 г.

Королева продемонстрировала элегантное свадебное платье длиной 13 футов, созданное Норманом Хартнелом.

18 из 105

1947 г.

На принцессе было платье до колен и жемчужное ожерелье, когда она запрыгнула на радио BBC, чтобы сделать передачу из садов Дома правительства в Кейптауне.

19 из 105

1948 г.

Очаровательный семейный портрет принцессы Елизаветы и принца Филиппа с их сыном принцем Чарльзом.

20 из 105

1949 г.

Королева выглядела взволнованной, когда позировала со своим сыном принцем Чарльзом.

21 из 105

1950-е годы

Королева капает бриллиантами с диадемы на запястье для королевского праздника.

22 из 105

1950-е годы

Она несла большой шар с крестом наверху, на ней была огромная корона и накидка с кисточками.

23 из 105

1951 г.

Принцесса Анна была в восторге от объятий своей матери, когда она восхитительно положила руку принцу Филиппу.

24 из 105

1951 г.

Вот она в платье до колен с принтом, шляпе от солнца, белых перчатках, сумке с ручкой и туфлях с открытым носком.

25 из 105

1952 г.

В первый год ее пребывания на посту королевы Англии Елизавета была снята, когда она прибыла в Вестминстер, чтобы открыть парламент.

26 из 105

1952 г.

Принцесса становится Королевой Елизаветой Второй.

27 из 105

1952 г.

Королева надевает выращенный атласный шар без рукавов, серьги-люстры и длинные атласные перчатки, неся замысловатый букет с орхидеями и дыханием младенца.

28 из 105

1952 г.

Поклонись имениннице. Здесь Елизавета сфотографирована на троне после коронации.

29 из 105

1952 г.

В украшенном синем платье без рукавов, бриллиантовых серьгах, колье и браслете, увенчанных сверкающей бриллиантовой диадемой.

30 из 105

1952 г.

Королева стоит в саду в замке Балморал с одним из своих корги.

Реклама – продолжить чтение ниже

Дженнифер Алгу Визуальный директор Дженнифер Алгу – визуальный директор Harper’s BAZAAR.Николь Сондерс Внештатный писатель Николь Сондерс – писатель из Нью-Йорка, освещающий моду, красоту, здоровье и развлечения.

Этот контент создается и поддерживается третьей стороной и импортируется на эту страницу, чтобы помочь пользователям указать свои адреса электронной почты. Вы можете найти больше информации об этом и подобном контенте на сайте piano.io.

Женщин, которые сформировали современную фотографию

Где-то в 1930-х годах венгерский фотограф Анна Барна сняла «Наблюдателя», фотографию мальчика, стоящего на стуле и смотрящего сзади на частокол.

Когда его тень простирается по доскам, преграждающим ему путь, она принимает форму бородатого профиля, который читается как второй «зевак» в кадре. Немного дальше стоит еще один третий «зритель», который, хотя и совершенно невидим на изображении, очень часто присутствовал в сознании любого довоенного зрителя, который видел кредитную фотографию кадра: этот зритель – Анна Барна, женщина, которая осмелилась возьмите камеру, которую обычно держал бы мужчина. Как и все женщины ее эпохи с фотоаппаратами, смелый поступок Барны обеспечил ей мощное культурное присутствие.

Это присутствие демонстрируется в «Новой женщине за камерой», вдохновляющей и вдохновляющей выставке в Метрополитен-музее со 2 июля по октябрь. 3. В конце октября он переходит в Национальную галерею искусств в Вашингтоне. Куратор Андреа Нельсон из NGA, шоу было установлено в Met Миа Файнман.

Более 200 представленных фотографий, сделанных с 1920-х по 1950-е годы, позволяют нам наблюдать, как женщины повсюду становятся профессиональными фотографами. Я предполагаю, что некоторые из их снимков могли быть сделаны мужчинами, но женское авторство определило то, что эти изображения значили для их современников.Это формирует то, что нам нужно делать из них сейчас, когда мы понимаем проблемы, с которыми столкнулись их создатели.

Метрополитен показывает женщин, фотографирующих все, от фабрик до сражений и угнетенных, а также платья, детей и другие традиционно «женские» предметы. Иногда цель – прямая документация: такие деятели, как Доротея Лэнг в Соединенных Штатах и ​​Галина Санко в Советском Союзе, записали миры, через которые они прошли, часто по просьбе своих правительств. Но многие из их сестер предпочитают агрессивные взгляды и радикальное освещение того, что тогда называлось «Новое видение», разработанное в Баухаусе и других горячих точках современного стиля.Это было для того, чтобы увидеть, что должен звучать джаз.

Это сделало Новое видение идеально подходящим для Новой Женщины, термин, который стал глобальным в начале 20-го века, чтобы описать всех многих женщин, которые взяли на себя роли и обязанности – новые личности и даже новые полномочия, – которые они редко имели. до. Когда «Новая женщина» занялась фотографией, она часто обращала свое «Новое видение» на себя, как на одно из самых ярких творений современного мира.

Автопортрет американского фотографа Альмы Лавенсон не учитывает все, кроме ее рук и камеры, которую они держат; единственное, что нам нужно знать, это то, что Лавенсон контролирует эту машину и, следовательно, видение, которое она захватывает.

Немецкий фотограф Илзе Бинг снимает в зеркала на шарнирах на туалетном столике, давая нам как профиль, так и вид спереди на ее лицо и на Leica, которая его почти скрывает. С древних времен зеркало было символом женщины и ее тщеславия; Бинг утверждает, что этот старый символ принадлежит самой себе, заставляя его создать новый образ.

Зеркало, развернутое немецким аргентинским фотографом Аннемари Генрих, представляет собой посеребренный шар; захватывая в нем себя и свою сестру, она изображает забавные удовольствия и извращения женщины, ставшей Новой.

Европейские коллеги Генриха иногда заходят еще дальше в нарушении своей самопрезентации. В «Автопортрете в маске (№ 16)» Гертруда Арндт дважды, а может быть, и втрое обнажает свое лицо, как бы для того, чтобы передать тревожную идентичность, которую она воспринимает как женщину, которая осмеливается фотографировать. (Многократная экспозиция – это почти отличительная черта фотографов New Woman; может быть, это не должно нас удивлять.) В коллаже под названием «I.O.U. (Самогордость) », – французский фотограф Клод Кахун представляет себя в виде 11 разных лиц в масках, окруженных словами« Под этой маской – еще одна маска.Я никогда не перестану снимать все эти лица “.

Это как если бы попадание за камеру превращает любую новую женщину в предка и аватара Синди Шерман, примеряя всевозможные модели для определения пола.

Если есть одна проблема с этим сериалом, так это то, что он в основном дает нам женщин, которые преуспели в достижении высочайшего уровня мастерства, едва намекая на гораздо большее количество женщин, которым не удалось достичь своих творческих целей из-за безудержного сексизма их эпоха: талантливые женщины, чьи места в фотошколе вместо этого были отданы мужчинам, или которые были переведены в низшие или самые «женские» слои профессии – ретушь или дешевые детские портреты – или которые никогда не продвигались выше ассистента студии.Это проблема, которая мешает всем попыткам вернуть утраченное искусство обездоленных: рассказывая те же истории успеха, что и с белыми мужчинами, вы рискуете создать впечатление, будто другим дали такой же шанс подняться.

Достаточно прямой снимок китайского фотожурналиста Ню Вэйю может лучше всего передать то, что на самом деле означало для Новой Женщины начать фотографировать. Как сфотографировала ее коллега Шу Е, Ню стоит со своей камерой на краю обрыва. Каждая женщина-фотограф приняла эту позу смельчака, по крайней мере, с точки зрения культуры, просто щелкнув затвором.

Несколько женщин, представленных в Met, фактически заняли студии, которые изначально возглавляли мужья или отцы. На Ближнем Востоке и в Азии это дало им доступ к реальности, которую мужчины не могли задокументировать: сделанная в Палестине 1930-х годов фотография предпринимательницы, назвавшейся «Кариме Аббуд, леди-фотограф», показывает трех женщин, стоящих перед камерой с полным уверенность в себе – самый молодой широко улыбается в объектив – в расслабленном кадре, который мужчина вряд ли смог бы запечатлеть.

Гендер играл почти столь же важную роль для женщин на Западе. Если брать в руки фотоаппарат объявляли «по-мужски», многие новые женщины в Европе были счастливы согласиться с этим: снова и снова они изображали себя одетыми в самую короткую стрижку, иногда настолько короткую, что их воспринимали как мужской стиль. Кахун, который временами был почти безумен, однажды написал «Мужское? Женский род? Это зависит от ситуации. Кастрированный – единственный пол, который мне всегда подходит ».

Маргарет Бурк-Уайт, американский фотограф, ставший настоящей знаменитостью, снимает себя в стрижке, достаточно длинной, чтобы почти закрыть уши, но этот почти девчачий стиль более чем компенсируется мужественными шерстяными брюками.(В 1850-х годах Роза Бонёр должна была получить полицейскую лицензию на ношение брюк, когда она пошла рисовать коневодов Парижа. Еще в 1972 году моя бабушка, рожденная в эпоху Новой женщины, хвасталась мужеством, которым она недавно собрался начать носить штаны на работу.)

Новая женщина, щелкающая затвором, может показаться почти таким же видимым, как любой объект перед ее объективом. Фотография Бурк-Уайт плотины Форт-Пек украсила обложку первого современного номера журнала Life в 1936 году, , и получила эту роль отчасти потому, что была снята ею: редакторы продолжают об этом «удивительном» факте так, как будто они представляют свой новый журнал и то, как они «не смогли помешать Бурку-Уайту сбежать с их первыми девятью страницами».

Когда объект съемки – это другая женщина, стрелок и натурщик могут слиться воедино. Лола Альварес Браво, великий мексиканский фотограф, однажды сфотографировала женщину с тенями, пересекающими ее лицо, и назвала это «В ее собственной тюрьме». Альварес Браво, фотографирующая Everywoman, оказывается в той же тюрьме.

Чтобы запечатлеть затруднительное положение женщин в католической Испании, Кати Хорна дважды выставила лицо девушки на зарешеченные окна рядом с собором; Трудно не заметить, что огромный глаз, который смотрит на нас из-за решеток, принадлежит самой Хорне и смотрит в видоискатель.

За столетия до того, как они стали Новым, женщины были объективированы и наблюдались, как, вероятно, немногие мужчины. Поднятие камеры не отводило взгляда от Новой Женщины; это могло сделать ее еще более очевидной. Но благодаря фотографии она могла начать оглядываться назад, с силой, на мир вокруг нее.

Новая женщина за камерой

До 3 октября, Метрополитен-музей, Пятая авеню 1000, metmuseum.org. 212-535-7710; metmuseum.org.

Искусство в США в 1920-е и 1930-е годы

Гарлемский ренессанс

Гарлемский ренессанс (1920-1930-е годы) был афроамериканским культурным движением, известным своим распространением в искусстве, музыке и литературе.

Цели обучения

Обсудите характеристики, темы и способствующие факторы Гарлемского Возрождения

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Культурный и политический Гарлемский ренессанс породил изобразительное искусство, романы, пьесы, стихи, музыку и танцы, которые представляли собой расцвет самобытного афроамериканского самовыражения.
  • Наряду с художниками политические лидеры, такие как Маркус Гарви, основали мощную философию самоопределения и единства чернокожих в Соединенных Штатах, Карибском бассейне и Африке.
  • Гарлем стал афроамериканским районом в начале 1900-х годов, во время Великой миграции, когда многие афроамериканцы стремились к повышению уровня жизни и избавлению от узаконенного расизма на Юге.
  • Хотя у движения не было объединяющей характеристики, общие темы включали влияние рабства, идентичность чернокожих, эффекты институционального расизма и способы передачи опыта современной жизни чернокожих на городском Севере.
  • Известные визуальные художники движения включают Аарона Дугласа, Арчибальда Мотли, Чарльза Генри Олстона и Джейкоба Лоуренса.
Ключевые термины
  • Красное лето : расовые беспорядки, произошедшие в более чем трех десятках городов США летом и ранней осенью 1919 года.
  • расовые беспорядки : беспорядки, вызванные расовой ненавистью или разногласиями. Они происходили на протяжении всего 20 века, особенно до и во время Движения за гражданские права.
  • blackface : стиль театрального макияжа, в котором белый человек чернеет свое лицо, чтобы изобразить негра.

Обзор

Гарлемское Возрождение было культурным движением в Соединенных Штатах, которое охватило 1920-1930-е годы. Хотя пик движения пришелся на период с 1924 по 1929 год, его идеи прожили гораздо дольше. В то время оно было известно как Движение новых негров, названное в честь антологии Алена Локка 1925 года.

Этот культурный и политический ренессанс породил романы, пьесы, фрески, стихи, музыку, танцы и другие произведения искусства, которые представляли расцвет самобытного афроамериканского самовыражения.Наряду с художниками, политические лидеры, такие как Маркус Гарви, основали мощную философию самоопределения и единства среди чернокожих сообществ в Соединенных Штатах, Карибском бассейне и Африке.

В то же время активисты, такие как Хьюберт Харрисон, оспаривали понятие возрождения, утверждая, что этот термин был в значительной степени изобретением белых, которое упускало из виду непрерывный поток творчества, возникший в афроамериканском сообществе с 1850 года.

История Гарлема

Район Гарлема первоначально развивался в 19 веке как эксклюзивный пригород для белого среднего и высшего классов.Во время огромного притока иммигрантов из Европы в конце 19 века некогда эксклюзивный район был оставлен белыми, которые двинулись дальше на север.

Гарлем стал афроамериканским районом в начале 1900-х годов, во время Великой миграции, когда многие стремились к повышению уровня жизни и избавлению от узаконенного расизма на Юге. Другие лица африканского происхождения происходили из расово стратифицированных сообществ в Карибском бассейне в поисках лучшей жизни в США. К 1930 году 90 000 вновь прибывших присоединились к афроамериканцам, уже живущим там, создав общину из почти 200 000 человек.

Несмотря на растущую популярность черной культуры, яростный белый расизм продолжал влиять на афроамериканские сообщества. Расовые беспорядки и другие гражданские восстания произошли по всей территории США во время Красного лета 1919 года, отражая экономическую конкуренцию за рабочие места, жилье и социальные территории.

Характеристики и темы

Гарлемское Возрождение характеризовало явную расовую гордость и развивающуюся идею новой черной идентичности , , которая с помощью интеллекта и создания литературы, искусства и музыки могла бросить вызов распространяющемуся расизму и продвигать прогрессивную политику.

Однако не было объединяющей формы, характеризующей возникшее искусство. Он охватывал самые разные стили, в том числе панафриканские перспективы; высокая культура и низкая культура; традиционная музыка под блюз и джаз; традиционные и экспериментальные формы в литературе, такие как модернизм; и новая форма джазовой поэзии.

Некоторыми общими темами, представленными во время Гарлемского Возрождения, были влияние рабства, идентичность чернокожих, эффекты институционального расизма, дилеммы исполнения и письма для элитной белой аудитории и способы передачи опыта современной черной жизни на городском Севере.

Новые авторы привлекли большое внимание страны, и Гарлемский ренессанс открыл для черных больше возможностей публиковаться в традиционных изданиях. Некоторыми авторами, получившими национальную известность, были Жан Тумер, Джесси Фосе, Клод Маккей, Зора Нил Херстон, Джеймс Велдон Джонсон, Ален Лок, Эрик Д. Уолронд и Лэнгстон Хьюз.

Лэнгстон Хьюз : Лэнгстон Хьюз был одним из самых известных писателей эпохи Гарлемского Возрождения.

Новый способ игры на пианино под названием Harlem Stride был также создан в эпоху Возрождения, и считается, что джазовые музыканты, такие как Фэтс Уоллер, Дюк Эллингтон, Джелли Ролл Мортон и Уилли «Лев» Смит, заложили основу для будущих музыкантов. их жанр.

Визуальных художников того времени были Чарльз Алстон, Генри Баннарн, Лесли Боллинг, Аарон Дуглас, Джейкоб Лоуренс и Арчибольд Мотли.

Черный пояс (оригинальная цветная картина) : Арчибальд Мотли наиболее известен своей красочной хроникой афроамериканского опыта 1920-х и 1930-х годов и считается одним из основных участников Гарлемского Возрождения.

Аарон Дуглас

Аарон Дуглас был известным художником Гарлемского Возрождения.После получения степени бакалавра искусств в Университете Небраски в 1922 году Дуглас переехал в Нью-Йорк, поселившись в Гарлеме. Всего через несколько месяцев после прибытия он начал производить иллюстрации для The Crisis и Opportunity, двух самых важных журналов, связанных с Гарлемским Возрождением.

Он также начал учиться у Винольда Рейсса, немецкого художника, которого нанял Ален Локк для иллюстрации «Нового негра». Обучение Рейсса помогло Дугласу развить стиль модернизма, который он будет использовать в течение следующего десятилетия.

Увлечение Дугласа африканским и египетским дизайном привлекло к нему внимание У. Б. Дюбуа и доктора Локка, которые настаивали на том, чтобы молодые афроамериканские художники выражали свое африканское наследие и афроамериканскую народную культуру в своем искусстве.

В 1926 году Дуглас женился на Альте Сойер. Они жили вместе в Гарлеме и в течение следующих нескольких лет открыли свой дом для влиятельного круга художников и писателей, которые мы теперь называем Гарлемским Возрождением.

Чарльз Генри Алстон

Чарльз Генри Олстон (28 ноября 1907 г. – 27 апреля 1977 г.) был афроамериканским художником, скульптором, иллюстратором, художником-монументалистом и учителем, который жил и работал в Гарлеме.Олстон был первым афроамериканским руководителем Федерального художественного проекта Управления прогресса работ.

Олстон разработал и нарисовал фрески в Гарлемской больнице и Здании взаимного страхования жизни Голден Стэйт. В 1990 году бюст Мартина Лютера Кинга-младшего Олстоном стал первым изображением афроамериканца, выставленным в Белом доме.

Вначале настенная живопись Чарльза Алстона была вдохновлена ​​работами Аарона Дугласа, Диего Риверы и Хосе Клементе Ороско, с которым он познакомился, когда они работали в Нью-Йорке.В 1943 году Олстон был избран в совет директоров Национального общества художников-настенных художников.

Он создал фрески для Гарлемской больницы, Golden State Mutual, Американского музея естественной истории, государственной школы № 154, Суда по семейным и уголовным делам Бронкса и средней школы Авраама Линкольна в Бруклине, Нью-Йорк.

Современная медицина : фреска Олстона в Гарлемской больнице является значительным произведением Гарлемского Возрождения.

Джейкоб Лоуренс

Джейкоб Лоуренс (1917–2000) был афроамериканским художником, известным своим изображением афроамериканской жизни.Но он был не только художником, рассказчиком и переводчиком, но и педагогом. Лоуренс называл свой стиль динамичным кубизмом, хотя, по его собственному мнению, основное влияние оказало не столько французское искусство, сколько формы и цвета Гарлема.

Он воплотил афроамериканский опыт в жизнь, используя черный и коричневый цвета в сочетании с яркими цветами. Он также преподавал и 15 лет проработал профессором Вашингтонского университета.

Лоуренс – один из самых известных афроамериканских художников 20 века.Ему было 23 года, когда он получил национальное признание благодаря своей 60-панельной серии Migration Series , , нарисованной на картоне. В сериале изображено Великое переселение афроамериканцев из сельских районов Юга в города Севера. Часть этой серии была представлена ​​в выпуске журнала Fortune за 1941 год. Сейчас собрание хранится в двух музеях.

Работы Лоуренса находятся в постоянных коллекциях многочисленных музеев, включая Художественный музей Филадельфии, Музей современного искусства, Музей Уитни, Коллекцию Филлипса, Музей Метрополитен, Бруклинский музей и Дом-музей американского искусства Рейнольда.Он широко известен своими модернистскими иллюстрациями повседневной жизни, а также эпическими повествованиями об истории афроамериканцев и исторических личностях.

Джейкоб Лоуренс, Автопортрет : Эта картина, написанная в 1977 году, иллюстрирует яркое использование цвета в его работах.

Искусство американского регионализма

Регионализм относится к натуралистическому и реалистическому стилю живописи, который доминировал в американской сельской живописи в 1930-х годах.

Цели обучения

Определите стиль регионализма в американской живописи

Основные выводы

Ключевые моменты
  • После Первой мировой войны многие американские художники отвергли современные тенденции, проистекающие из Armory Show, и европейские влияния, например, из Парижской школы.Вместо этого они решили применить академический реализм для изображения американских сельских пейзажей.
  • К 1940-м годам в сельской местности между регионалистами и социалистами-реалистами разгорелись жаркие споры, чьи работы касались социальных, экономических и политических проблем; и художники-абстракционисты Нью-Йорка, принявшие модернизм.
  • Используя реалистический подход, художественная цель регионализма заключалась в создании сцен сельской жизни художниками, которые избегали городской жизни и стремительно развивались технологические достижения.
  • Стиль регионализма был на пике с 1930 по 1935 год и наиболее известен благодаря так называемому триумвирату регионализма Гранта Вуда в Айове, Томаса Харта Бентона в Миссури и Джона Стюарта Карри в Канзасе.
Ключевые термины
  • социальный реализм : Художественное направление, выраженное в визуальном и другом реалистическом искусстве, которое изображает социальную несправедливость и экономические трудности через неприкрашенные картины жизненной борьбы, которые часто изображают действия рабочего класса как героические.
  • Парижская школа : школа искусства, которая представляла важность Парижа как центра западного искусства в первые десятилетия 20-го века, и где группа художников, включая Пикассо, Шагала, Мондриана и Матисса, создавала стили постимпрессионизма, кубизма и фовизма.
  • Оружейная выставка : Международная выставка современного искусства 1913 года, организованная Ассоциацией американских художников и скульпторов. Выставка проходила в Оружейной палате 69-го полка Нью-Йорка с 17 февраля по 15 марта и стала важным событием в истории американского искусства, познакомив жителей Нью-Йорка с современным искусством.

Обзор американского регионализма

Регионализм, также известный как американская сценическая живопись, относится к натуралистическому стилю живописи, который преобладал в США в период с 1920-х по 1950-е годы. После Первой мировой войны многие американские художники отвергли современные тенденции, проистекающие из Armory Show и европейских влияний, предпочитая вместо этого принять академический реализм для изображения американских сельских пейзажей.

Отчасти из-за Великой депрессии регионализм стал одним из доминирующих художественных течений в Америке 1930-х годов (второе – соцреализм).В то время Соединенные Штаты все еще были сильно аграрной страной с гораздо меньшей частью населения, проживавшей в промышленных городах, таких как Нью-Йорк или Чикаго.

Споры между абстракцией и реализмом продолжались с 1913 года, начиная с Оружейной выставки, и продолжались в течение 1930-х годов среди регионализма, соцреализма и абстрактного искусства. К 1940-м годам эти дебаты разделились на два лагеря, которые были разделены географически и политически:

  1. Регионалисты и соцреалисты, которые в основном жили в сельской местности и чьи работы касались социальных, экономических и политических проблем.
  2. Художники-абстракционисты, которые в основном жили в Нью-Йорке и исповедовали модернизм.

Окончательная потеря статуса регионализма в мире искусства в основном является результатом окончательного триумфа абстрактного экспрессионизма, когда модернистские критики пришли к власти в 1940-х годах.

Регионалисты и соцреалисты

Используя реалистический подход, художники-регионалисты избегали городской жизни и ее быстро развивающихся технологических достижений, чтобы создавать сцены сельской жизни.В брошюре Гранта Вуда «Восстание против города», опубликованной в Айова-Сити в 1935 году, он утверждает, что американские художники и покупатели искусства больше не обращали внимания на парижскую культуру как предмет и стиль.

Вуд писал, что региональные художники интерпретируют физиографию, промышленность и психологию своего родного города, и что конкуренция этих предшествующих элементов создает американскую культуру. Он писал, что соблазн города исчез, и надеялся, что искусство широко распространенного «целого народа» возобладает.

Полуночная поездка Пола Ревира : Эта картина Гранта Вуда, сделанная в 1931 году, иллюстрирует типичное регионалистское изображение небольшого городка Америки.

Во время Великой депрессии 1930-х годов регионалистское искусство широко ценилось за обнадеживающие изображения центральной части Америки. Большая часть работ передала чувство национализма и романтизма в изображениях повседневной жизни Америки.

В 1930-х годах эти художники задокументировали и изобразили американские городки и сельские пейзажи, а также города; Работы, в которых подчеркивается местная тематика и темы небольших городков, часто называют американским регионализмом, а работы, изображающие городские сцены с политическим и социальным сознанием, – социальным реализмом.

Некоторые художники изображали изображения как способ вернуться в более простые времена вдали от индустриализации, тогда как другие стремились сделать политическое заявление и одолжили свое искусство революционным и радикальным целям.

Cut the Line : На этом произведении Томаса Харта Бентона 1944 года изображен спуск на воду танкодесантного корабля (LST). Многие искусствоведы считают Бентона типичным американским художником 20-го века, а во время Второй мировой войны Abbott Laboratories заказала ему произведения искусства о военно-морском флоте.

Стиль регионализма был на пике с 1930 по 1935 год и наиболее известен благодаря так называемому триумвирату регионализма Гранта Вуда в Айове, Томаса Харта Бентона в Миссури и Джона Стюарта Карри в Канзасе.

Среди других художников движения – Джон Роджерс Кокс, Александр Хог, Дейл Николс и Уильям С. Шварц. Многие художники, участвующие в движении, учились с Бентоном или под его руководством в Институте искусств Канзас-Сити (KCAI), например, Джон Стоктон де Мартелли, Фредерик Джеймс и Пэт Потучек.

Американская готика : Самая известная работа Гранта Вуда – это картина 1930 года, которая также является одной из самых известных картин в американском искусстве и одним из немногих изображений, получивших статус общепризнанной культурной иконы, сравнимой с Леонардо да. «Мона Лиза» Винчи и «Крик» Эдварда Мунка.

Фотография во время Великой депрессии

В 1930-е и 1940-е годы фотография развивалась как с точки зрения технических возможностей, так и с точки зрения ее функции как вида искусства.

Цели обучения

Опишите эволюцию фотографии с 1930 по 1945 год

Основные выводы

Ключевые моменты
  • В 1935–1936 годах и Kodak, и Agfa представили новые технологии цветной пленки, которые впервые позволили распространить цветную фотографию.
  • Социальный реализм распространился на фотографию и изображал социальную несправедливость и экономические трудности через неприкрашенные изображения жизненных испытаний. Деятельность рабочего класса часто изображалась героической.
  • Group f / 64, возглавляемая Анселем Адамсом, представляла собой группу из семи фотографов из Сан-Франциско, которые разделяли общий фотографический стиль, характеризующийся резкой фокусировкой и тщательно оформленными изображениями, видимыми с особенно западной точки зрения.
  • FSA профинансировало ряд фотографов, которые запечатлели реалии Великой депрессии и создали культовые изображения, которые мы видим до сих пор.
Ключевые термины
  • Гарлем Ренессанс : Афро-американское культурное движение, охватившее 1920-1930-е годы и характеризовавшееся распространением музыки, литературы, поэзии и танцев.
  • пикториализм : Школа художественной фотографии, которая подчеркивала использование фотографии для имитации определенных стилей современной живописи и процветала в конце 19-го и начале 20-го веков. Изображения обычно характеризовались мягким фокусом и манипулированием цветом или мазком кисти.
  • Великая депрессия : крупный экономический коллапс, который длился с 1929 по 1940 год в Соединенных Штатах.

Обзор

Период 1930–1945 годов в американской истории отмечен Великой депрессией и началом Второй мировой войны.За это время и фотография, и скульптура расширились в новые области художественного выражения, находящиеся под сильным влиянием общества и времени.

Фотография

Фотографические технологии продолжали развиваться на протяжении всего 20 века. Kodachrome, первая современная цельная цветная пленка-трипак (или монопак), была представлена ​​компанией Kodak в 1935 году, а Agfacolor Neu с аналогичной структурой была представлена ​​в 1936 году. Эти новые технологии впервые позволили распространить цветную фотографию и доступны в настоящее время. цветные пленки по-прежнему используют многослойную эмульсию и те же принципы, что наиболее близко напоминает продукцию Agfa.

Соцреализм

Социальный реализм, также известный как социореализм, стал важным направлением в искусстве во время Великой депрессии 1930-х годов. Социальный реализм изображал социальную и расовую несправедливость и экономические трудности через неприкрашенные картины жизненной борьбы и часто изображал действия рабочего класса как героические.

Движение в значительной степени представляло собой стиль живописи, который обычно передавал сообщение социального или политического протеста, окаймленное сатирой; однако это также распространилось на искусство фотографии.Среди выдающихся фотографов того времени были Уокер Эванс, Доротея Лэнг, Маргарет Бурк-Уайт, Льюис Хайн, Эдвард Стейхен, Гордон Паркс, Артур Ротштейн, Мэрион Пост Уолкотт, Дорис Ульманн, Беренис Эбботт, Аарон Сискинд и Рассел Ли и многие другие.

Каждый из этих художников стремился изобразить мир, а часто и бедность, которую они видели вокруг себя, с реалистичным изображением, которое могла дать только фотография.

FSA

Управление безопасности фермерских хозяйств, часть Нового курса, во время Великой депрессии было попыткой бороться с бедностью в сельских районах Америки.Большая часть программы была направлена ​​на реабилитацию сельских районов, но она также известна тем, что финансировала работу ряда фотографов.

С 1935 по 1944 годы Управление безопасности фермы наняло нескольких фотографов, чтобы задокументировать последствия Великой депрессии для населения Америки. Информационный отдел FSA отвечал за предоставление населению учебных материалов и информации для прессы.

Под руководством Роя Страйкера Информационный отдел FSA поставил перед собой цель «познакомить американцев с Америкой.«Многие из самых известных фотографов эпохи Великой депрессии, такие как Уокер Эванс, Доротея Лэнг и Гордон Паркс, были поддержаны проектом FSA.

Мать-иммигрантка : Подпись к изображению гласит: «Обездоленные сборщики гороха в Калифорнии. Мать семерых детей. Возраст тридцать два. Нипомо, Калифорния ». Образ предполагаемой мигрантки, собирающей горох, Флоренс Оуэнс Томпсон и ее семьи, созданный Ланге, стал символом устойчивости перед лицом невзгод.

Группа F / 64

Наряду с социальным реализмом набирал обороты и другой подход к фотографии, называемый прямой фотографией.Группа f / 64, пожалуй, самый известный пример этого направления в искусстве.

Group f / 64 представляла собой группу из семи фотографов из Сан-Франциско 20-го века, которые разделяли общий фотографический стиль, характеризующийся четкими и тщательно оформленными изображениями, видимыми с особенно западной точки зрения. Отчасти они сформировались против движения пикториализма в фотографии, которое доминировало в начале 20 века, но, более того, они хотели продвигать новую модернистскую эстетику, основанную на точно экспонированных изображениях природных форм и найденных объектов.

Фотографов, участвовавших в группе, были Ансель Адамс, Имоджен Каннингем, Джон Пол Эдвардс, Соня Носковяк, Генри Свифт, Уиллард Ван Дайк и Эдвард Уэстон.

Деревья Йосемити со снегом на ветвях, Ансель Адамс : Ансель Адамс был одним из соучредителей Group f / 64, группы известных фотографов, которые разделяли общий стиль, характеризующийся резкой фокусировкой и тщательно оформленными изображениями.

История фотографии и фотожурналистики.

История фотографии и фотожурналистики.

Преподаватель: Росс Коллинз, Государственный университет Северной Дакоты, Фарго

Посмотреть портфолио с отличными фотографиями.

Краткая история фотографии и фотожурналистики

Современная фотожурналистика: 1920-1990 гг.

Начало современной фотожурналистики приходится на 1925 год, в Германии. Событием стало изобретение первой 35-мм камеры Leica. Он был разработан как способ использования излишков кинопленки, а затем снятых в формате 35 мм.До этого для фото профессионального качества требовалось громоздкое оборудование; после этого фотографы могли пойти куда угодно и сделать снимки ненавязчиво, без громоздкого освещения и штатива. Разница была колоссальной: для фотографий, поставленных в первую очередь, где люди награждали присутствие фотографа, до новых, естественных фотографий людей, как они жили на самом деле.

К этому добавлено еще одно изобретение родом из Германии – журнал фотожурналистики. С середины 1920-х годов Германия сначала экспериментировала с сочетанием двух старых идей.Старым была прямая публикация фотографий; это было доступно примерно после 1890 года, а к началу 20 века некоторые публикации, газетные и журнальные, были посвящены в основном иллюстрациям. Но отличием фотожурналов, созданных в 1920-х годах, было сотрудничество – вместо отдельных фотографий, выложенных, как в вашем фотоальбоме, редакторы и фотографы начинают работать вместе, чтобы создать реальную историю, рассказанную изображениями и словами или вырезками. Согласно этой концепции, фотографы будут снимать намного больше фотографий, чем им нужно, и передавать их редакторам.Редакторы изучали контрольные листы, то есть листы со всеми фотографиями на них в миниатюре (теперь это делается с помощью программного обеспечения Photoshop), и выбирали те, которые, по его мнению, лучше всего рассказывали историю. Не менее важными в новом стиле фотожурналистики были верстка и написание. Порезки, или подписи, помогли рассказать историю вместе с фотографиями, направляя читателя по иллюстрациям, и фотографии больше не публиковались как семейный альбом или индивидуально, просто чтобы проиллюстрировать историю. Написанный рассказ был сведен к минимуму, и одна, доминирующая, определяющая тему фотография должна была быть опубликована большего размера, в то время как другие помогли бы усилить эту тему.

Сочетание фотографии и журналистики, или фотожурналистики – термин, придуманный Фрэнком Лютером Моттом, историком и деканом Школы журналистики Университета Миссури, – по-настоящему стали известны после Второй мировой войны (1939-1945). Фотожурналы Германии утвердили эту концепцию, но приход Гитлера к власти в 1933 году привел к подавлению и преследованию большинства редакторов, которые обычно бежали из страны. Многие приехали в США.

Конечно, настало время для создания аналогичного стиля фоторепортажа в США.С. Генри Люс, уже имеющий успех с журналами Time и Fortune , задумал новый журнал для широкой публики, основанный на современной фотожурналистике. Он назывался Life , спущен на воду 23 ноября 1936 года.

Первая статья на обложке фотожурналистики в «Я» была маловероятной, это статья о строительстве плотины Форт-Пек в Монтане. Маргарет Бурк-Уайт сфотографировала это и, в частности, вела хронику жизни рабочих в маленьких трущобах, возникающих вокруг строительной площадки.Редактор Life , ответственный за фотографию, Джон Шоу Биллингс увидел потенциал этих фотографий, показывающих своего рода пограничную жизнь американского Запада, которая, по мнению многих американцев, давно исчезла. Life , публикуемый еженедельно, сразу же стал популярным, и его подражали двойники, такие как Look , See , Photo , Picture , Click и так далее. Как известно, хватило всего Look и Life . Look прекратил свою деятельность в 1972 году; Life приостановил выпуск в том же году, вернулся в 1978 году как ежемесячный и, наконец, свернул как сериал в 2001 году.

Но в эпоху Второй мировой войны Life был, вероятно, самым влиятельным журналом фотожурналистики в мире. Во время той войны самые драматические картины конфликта появлялись не так часто из газет, как из еженедельных журналов фотожурналистики, фотографии, которые популярны и сегодня. Драму войны и насилия можно было запечатлеть на этих маленьких быстрых 35-миллиметровых камерах, как никакие другие, хотя нужно сказать, что в 1950-х и даже 1960-х годах не все фотожурналисты использовали 35-мм объективы.Многие использовали большие ручные камеры производства Graflex Camera Company, а две стали легендарными: Speed ​​Graphic, а позже Crown Graphic. Это те камеры, о которых вы думаете, когда видите старые фильмы фотографов, толпящихся вокруг какой-нибудь знаменитости, обычно изображающих фотографа, курящего сигару и носящего карточку «Пресса» на шляпе своей шляпы. В этих камерах использовалась листовая пленка, что означало, что вам приходилось вставлять держатель в задней части камеры после каждой экспозиции. У них также была громоздкая фокусировка в стиле мехов и довольно грубый дальномер.Однако их преимуществом было превосходное качество негатива, что означало, что фотограф мог довольно небрежно подходить к экспозиции и проявке и при этом копать разумный отпечаток. (Камеры с автоматической экспозицией и фокусировкой не были широко распространены до 1980-х годов.)

Преемницей Graphic к 1950-м годам стала камера формата 120, обычно Rolleiflex, которая обеспечивала большую мобильность за счет меньшего размера негативов. Вы посмотрели в матовый видоискатель. Но в газетах к эпохе войны во Вьетнаме предпочтительной камерой была 35 – пленка стала лучше, сделав камеру более простой в использовании, а возможность использовать телефонные, широкоугольные, а позже и зум-объективы сделали 35 незаменимым. , как и сегодня для большинства фотожурналистов.

Среди великих фотожурналистов эпохи раннего фоторепортажа был “Уиджи” (Артур Феллиг), куривший сигары оператор перед Второй мировой войной, который снимал хронику преступности в Нью-Йорке и изнанка общества.

Во время Второй мировой войны У. Юджин Смит и Роберт Капа стали известны своими захватывающими фотографиями войны. Оба должны были серьезно пострадать от своей профессии. Фактически, Капа был убит во время задания в Индокитае, а Смит был серьезно ранен во время задания в Японии.

Незадолго до войны, когда мир осознал, что фотоаппарат может рассказывать историю, когда ее используют в нераскрытых, откровенных ситуациях, Федеральное правительственное управление по безопасности фермерских хозяйств наняло группу фотографов. Фактически, FSC был основан в 1935 году Франклином Д. Рузвельтом, чтобы помочь переселить фермеров, которые оказались обездоленными из-за депрессии и сильной засухи на Среднем Западе. Поскольку это переселение могло быть спорной задачей, директор Рой Страйкер нанял несколько фотографов, чтобы запечатлеть тяжелое положение фермеров на Среднем Западе.

Позднее фотографы, многие из них, прославились – собранные 150 000 фотографий сейчас хранятся в Библиотеке Конгресса. Сила этих часто резких, даже уродливых изображений показала Америке невероятный дисбаланс ее общества между городским процветанием и сельской бедностью и помогла убедить людей в важности иногда спорных программ социального обеспечения Рузвельта. Вы все еще можете купить копии всех этих фотографий в Библиотеке Конгресса, включая самые известные, такие как фотография Артура Ротштейна или фотография Дорта Ланге «Мать-мигрантка».«

Я думаю, что золотой век фотожурналистики с ее яркими фотоисторическими страницами длился примерно с 1935 по 1975 год. Телевидение явно имело огромное влияние – возможность видеть вещи вживую была даже сильнее, чем фотография на бумаге. Тем не менее, многие из фотографий, которые мы так хорошо помним, те, которые символизировали время и место в нашем мире, часто были моментами, запечатленными неподвижной фотографией. Когда я начал свою карьеру в журналистике в качестве фотожурналиста, черно-белое изображение все еще было стандартом, а газеты и многие журналы по-прежнему публиковали множество фотостраниц с минимальным копированием, рассказы рассказывались через фотографии.Однако примерно с середины 1980-х годов фотожурналистика изменила свой подход. Отдельно стоящие фотографии с голыми порезами, несущие саму историю, часто отбрасывались в пользу более художественных решений повествования: использование фотографии как части общего дизайна наряду с рисунками, заголовками, графикой и другими инструментами. Кажется, что фотография часто превращалась в еще один инструмент дизайна.

Фотография всегда была движима технологиями. Потому что больше, чем любое другое визуальное искусство, фотография строится вокруг машин и, по крайней мере, до недавнего времени, химии.К 1990-м годам фотожурналисты уже снимали в основном цветные изображения и редко создавали настоящие отпечатки, но использовали компьютерные технологии для сканирования пленки непосредственно в дизайн. К началу нового тысячелетия фотожурналисты перестали использовать пленку: цифровая фотография стала универсальной, быстрее и дешевле в отрасли, озабоченной скоростью и прибылью. Цвет стал стандартом для “традиционных средств массовой информации”, газет и журналов, а также для новостных веб-сайтов. Поскольку технология цветной печати требует изображения более высокого качества, фотожурналистам пришлось адаптировать свои методы, чтобы принимать меньше доступных световых изображений.Кроме того, большинство публикаций ищут привлекающие внимание цвета, необязательно в черно-белом цвете, а цвет требует коррекции, чтобы избежать зеленоватых или оранжевых оттенков от искусственного света. Все это означает, что фотожурналисты, даже с самыми совершенными новыми камерами, иногда возвращаются к методам своих предков, тщательно настраивая свет, позируя своих объектов. Если вы сравните опубликованные сегодня фотографии с фотографиями 25-летней давности, вы часто обнаружите, что гораздо меньше откровенных фотографий, меньше спонтанности, меньше фотографий людей, которых схватили на работе или сделали что-то на улице.Фактически, все больше и больше объектом становится награда за фотоаппарат, как это было до 1960-х годов, начала эпохи поиска натурализма в фотожурналистике.

Вы также обнаружите, что качество изображения повысилось, улучшилось освещение, резкость фокусировки и насыщенные цвета, особенно основные цвета. Сегодня фотожурналистика лучше, чем была в черно-белые времена? Думаю, что нет, но это зависит от того, что вам нравится. Возможно, фотожурналистика все еще не так важна для общества сегодня, не имеет общего влияния телевидения, и ее иногда жесткие изображения «вы там», отражаемые со спутников.Тем не менее, даже со всеми нашими технологиями космической эры, если я попрошу вас запомнить изображение, которое для вас определило определенное событие, скорее всего, вы вспомните неподвижную фотографию. Например, представьте себе площадь Тяньаньмэнь в Китае, и вы, возможно, вспомните человека, стоящего лицом к лицу с танками. Подумайте о войне в Персидском заливе, и вы можете вспомнить раненого солдата, оплакивающего своего товарища. Вспомните войну во Вьетнаме, казнь Вьетконга или девушку, ставшую жертвой напалма. Вспомните «Эру протеста» и женщину, оплакивающую студентов, застреленную в Кентском государственном университете.Единый образ все еще имеет некоторую определяющую силу в нашем обществе.

II. Начало фотографии, 1839-1900 гг.

Изобретение фотографии было встречено в Европе безумным энтузиазмом, даже удивительным. Почему? Возможно, потому, что это была идея, к которой люди были готовы. В фотографии у нас есть сочетание науки и искусства, чтобы создать идеальную, как они тогда думали, идеальную передачу сцены или человека.

Мы можем понять, почему люди того времени были так увлечены этой идеей, если вспомнить, что в 1840-х годах век машин уже был в самом разгаре.Наука приводила к новым и лучшим изобретениям, и считалось, что машина станет отличным ответом на все мировые проблемы. Западные люди поклонялись науке, а фотография была продуктом научного эксперимента или, если хотите, химического и оптического эксперимента.

В мире искусства и в то время главной целью большинства художников был реализм. То есть художники изо всех сил старались рисовать картины как можно ближе к реальности.

Фотография предложила решение, основанное на науке.

Однако механизм фотоаппарата для фотографирования был на самом деле очень старым. Устройство под названием камера-обскура (на латыни означает темная комната) широко используется как художниками, так и любителями рисования. Фактически, такие устройства используются до сих пор. Они полагаются на объектив или, в случае большого ящика, на точечное отверстие, чтобы передать вид сцены перед ним. Этот вид отражается от зеркала на белую поверхность или матовое стекло. Художники могут положить на поверхность лист кальки и набросать рисунок в двухмерном формате.Таким способом им достаточно провести немного времени в поле или с живым объектом, чтобы получить общие пропорции. Затем они могут вернуться в студию, чтобы закончить. Для путешественников начала девятнадцатого века, которые хотели рисовать то, что они видели, как это было в моде, затемненная камера могла быть особенно полезной, для тех, кто не мог хорошо рисовать с натуры. Машина смогла получить правильную трехмерную перспективу, потому что она уменьшила реальность до контуров, которые можно было проследить. Если вы пытались рисовать с натуры, вы знаете, как на самом деле сложно свести трехмерную фигуру к двухмерной линии.

Тогда первыми, кто задумался о возможностях фотографии, были художники. Или в случае с некоторыми не очень хорошими художниками, такими как Нисефор Ньепс. Идея заключалась в том, почему бы не попытаться найти способ сохранить или «исправить» это изображение на листе бумаги. Затем его можно было вернуть в исследование и проконсультироваться для копирования. Ключ был в том, как сохранить изображение? С 1700-х годов химики знали о различных веществах, которые становились черными или темными при попадании на них света. Любопытно, но никто не думал, что это многого стоит.Конечно, если встряхнуть раствор, тьма исчезнет или исчезнет.

Первым, кому удалось сделать затемненное химическое изображение перманентным, был Ньепс, не очень великий французский художник. На самом деле Ньепса больше интересовали гравюры или офорты, чем фотография для художественных целей. Его идея заключалась в том, чтобы записать изображение на металлическую пластину, а затем протравить его для печати. В 1826-27 он взял камеру-обскуру, направил ее на двор и сумел сделать постоянную экспозицию.На это ушло восемь часов. Он назвал это гелиографом, первым записанным изображением с использованием светочувствительных материалов.

К сожалению, Ньепс был человеком лет 60, бедным и нездоровым. Он слышал об экспериментах, которые проводил другой француз в области фотографии, Луи Жак-Манде Дагер. Он написал Дагеру осторожное письмо, желая узнать об этом процессе, и, наконец, они решили сформировать партнерство в 1829 году. Процесс Дагера отличался от процесса Ньепса. Он использовал пары ртути и соли.В 1833 году Ньепс умер, и его сын продолжил партнерство, хотя Дагер в основном был активным участником. Спустя еще одиннадцать лет экспериментов Дагер усовершенствовал свой метод: на лист меди был нанесен тонкий слой серебра. Серебро делали чувствительным к свету парами йода. Его экспонировали в фотоаппарате, а затем использовали пары ртути для получения изображения. Наконец, это изображение было исправлено с помощью солевого раствора, поваренной соли.

Этот процесс радикально отличался от химического фото-процесса, который использовался до появления цифровых технологий в конце 1990-х, его химические вещества очень токсичны и опасны.Но он работал, и работал очень хорошо, предлагая изысканные детали, соответствующие лучшему из того, что мы можем производить даже полтора века спустя. В начале 1838 года Дагер попытался привлечь инвесторов к своему процессу, но не смог найти. Однако он привлек внимание известного французского ученого того времени Франсуа Араго, который убедил французское правительство назначить пенсию Дагеру и младшему Ниепсу для работы над этим процессом. Однако Дагеру пришлось пообещать не патентовать этот процесс во Франции, и в конце концов он это сделал.

В 1839 году Араго и Дагер объявили о процессе всему миру. Усилия Араго по связям с общественностью и энергичное продвижение Дагера помогли дагерротипу, как его называли, покорить мир. Все говорили об этом в течение нескольких дней. Экспозиция, сначала почти 20 минут, в 1840 году была сокращена до 30 секунд с использованием бромида и более быстрых линз, способных собирать больше света. Эти первые 20 минут выдержки были настолько продолжительными, что объекты могли получить солнечные ожоги – только прямые солнечные лучи были достаточно яркими, чтобы обнажить пластины.И сидеть совершенно неподвижно так долго было ужасным испытанием, иногда требовалось подголовник. Но моргать было нормально – экспозиция была настолько медленной, что не регистрировалась. И люди не прочь посидеть – ведь фотография была бессмертием! И впервые люди могли действительно записывать, как они выглядели в определенном возрасте, давая обществу новое понимание тревожных различий между нашим лицом в 20 и 60 лет.

Дагерротипы сразу же стали модой в Париже.Все хотели, чтобы их сфотографировали. Но кое-кто тоже волновался – художники. Поначалу, когда было объявлено о фотографии, художники были настроены несколько оптимистично. Наконец, у них появился способ исправить затемненное изображение камеры, чтобы вернуть его в кабинет для рисования. Сам Дагер был художником, и большинство первых изобретателей фотографии планировали использовать ее как инструмент художника, а не как художественное средство само по себе. Однако, когда фотография стала популярной, художники начали понимать, что она станет реальной угрозой для их средств к существованию как портретистов.В частности, художники-миниатюры, бизнес, который упал до нуля почти в одночасье, когда дагеротиписты смогли вручную раскрасить свои фотографии.

Что еще тревожнее, художники проиграли многовековую битву за все больше и больше деталей, больше и больше реализма. И потерял его из-за машины, которая могла воспроизводить детали далеко за пределами любого художника. Художники поняли, что фотография не останется в той роли, на которую они надеялись, а будет просто средством копирования. Каждый, кто был кем-то, хотел его портрет на дагерротипе, а пластинка была намного дешевле картины.Художники, тем не менее, использовали фотографии в качестве вспомогательных средств к собственному рисованию, часто фотографируя сцену или лицо, чтобы сэкономить время, и возвращались в студию, чтобы нарисовать их. Однако никто не назовет фотографию «искусством». Многие художники заявляли, что выскочка вульгарна и механична, а некоторые вообще не признались в ее использовании. Фотографы же все больше и больше утверждали, что фотография – это искусство. Эти дебаты бушевали еще в двадцатом веке и, действительно, иногда до сих пор встречаются у фотографов.Более чем однажды, когда я более активно выставлял фотографии на художественные выставки, правила гласили: «Фотографировать нельзя».

Тем не менее, в последующие 30 лет художники, сознательно или бессознательно, находились под сильным влиянием в их использовании освещения, композиции, изображения движения и фотографии. Фотография привела к кризису философии искусства, который закончился тем, что художники отвернулись от многовековых поисков реализма, которые победили фотографы, к новой цели – рисовать чувства, интерпретации, абстракции и не обязательно то, что там было. .Фотография послужила толчком к зарождению нерепрезентативного и абстрактного искусства двадцатого века.

После того, как Дагер и Араго объявили о новом процессе, один человек в Англии забеспокоился. Его зовут Уильям Генри Фокс Талбот, богатый джентльмен, у которого много времени на эксперименты и, как и Дагер, опытный художник. Талбот тоже искал способ закрепить свои изображения в камере-обскуре. Он знал, что раньше, в 1820-х годах, художникам удавалось создать постоянный образ не на металле, а на бумаге.Проблема, однако, заключалась в том, что этот процесс был не очень работоспособным, и в любом случае полученное изображение было негативным. Какая в этом польза?

Talbot экспериментировал с той же бумажной технологией, пытаясь найти лучший способ сделать изображение постоянным. Его имидж тоже был негативный, но, по-видимому, у него была идея, о которой раньше никто не задумывался. Поместив негативное изображение на второй сенсибилизированный лист и просвечивая его светом, он мог создать позитивное изображение. Таким образом, Талбот изобрел первый процесс негативной / позитивной фотографии, в отличие от дагерротипа, в котором каждое изображение было на металле и уникально.

Когда Дагер объявил о своем процессе, Талбот был обеспокоен тем, что это был тот же процесс, что и его. Поэтому он быстро опубликовал отчет о своем собственном методе. В последующие месяцы 1839 года стало очевидно, что процесс Талбота полностью отличался от метода Дагера. Талбот окунул бумагу в соль, а после высыхания – в нитрат серебра, образуя светочувствительный химикат – хлорид серебра. Он направил сенсибилизированную бумагу в камеру-обскуру на объект, подождал, пока изображение не станет достаточно темным, чтобы его можно было увидеть невооруженным глазом, около 30 минут, затем зафиксировал изображение с помощью крепкого солевого раствора или йодида калия.В 1840 году сэр Джон Гершель предположил, что гипосульфит соды более эффективно фиксирует изображение и удаляет неиспользованные частицы серебра, чтобы они не потемнели со временем. Гершелю приписывают изобретение метода фиксации, который мы в основном все еще используем сегодня в наших «влажных» фотолабораториях, для краткости называемого «гипо».

Талбот вскоре понял, что ему действительно не придется ждать, пока изображение действительно станет видимым, с такой длинной выдержкой. При более короткой выдержке будет сформировано скрытое или скрытое изображение, которое затем можно будет выявить, проявив в галловой кислоте.Итак, теперь у нас есть негатив, разработка, исправление, процесс, практически не изменившийся до изобретения цифровых изображений. Талбот также обработал бумагу воском, сделав ее более прозрачной, и назвал свой процесс калотипом, что по-гречески означает «красивая картинка».

Однако, в отличие от Дагера, Талбот запатентовал свой процесс. Он дал лицензии немногим. В течение десятка лет процесс практически не рос под удушающей хваткой патентов. Однако он не был запатентован в Шотландии, что позволило первым фотографам Дэвиду Октавиусу Хиллу и Роберту Адамсону в 1840-х годах создать важную коллекцию калотипов.W.F. Лицензию получил Лангенхайм в США, единственный производитель калотипа в стране.

Тем временем во Франции свидетелем объявления начала 1839 года был американец Сэмюэл Ф. Морс. Сам Морс увлекался фотографией, и, когда он услышал заявление Дагера, он сразу же написал об этом для своей аудитории в Америке. Мор вернулся в Нью-Йорк и обучил новому процессу нескольких студентов, в том числе Мэтью Брэди. В 1840 году в Нью-Йорке открылась первая в мире портретная студия.Мы можем отдать должное Морсу за то, что он принес в Америку фотографию – наряду с его знаменитым изобретением – телеграфом.

Дагерротипы оставались популярными в Америке и Европе около десяти лет. Он должен был быть у всех. Лицом дагерротипа должны были обладать все известные люди. Калотип не был так популярен, отчасти из-за контролирующих патентов Талбота. Но Талбот внес свой вклад в историю фотографии своей первой иллюстрированной книгой, его Pencil of Nature . В нем он описал свой процесс и проиллюстрировал его реальными фотографиями, прикрепленными к книге, очаровательными домашними сценами и описаниями.Но его калотипы считались более низкими по сравнению с дагерротипами, потому что им не хватало мелких деталей процесса на основе металлических пластин. Достаточно верно; дагерротип изысканно детализирован даже по современным меркам. Калотипия предполагала печать через бумажный негатив, и, неизбежно, на изображение передавалась и зернистость бумажных волокон. Это давало мягкие, почти светящиеся изображения. Сегодня мы думаем, что они действительно красивы, но, учитывая акцент 1840-х годов на деталях и реализме, они были нечеткими.Таким образом, калотипы никогда не прижились, как дагерротипы, которые производились миллионами. На самом деле, сегодня в коллекциях можно получить дагерротипы по довольно доступной цене. Тысячи моделей по-прежнему существуют в своих маленьких кожаных футлярах и классическом стиле, чтобы защитить хрупкую поверхность.

Однако примерно в то время, когда Талбот, наконец, решил уступить свои патенты на свой метод калотипа, технология пришла на смену ему и дагерротипу. Большой проблемой калотипа была потеря деталей из-за появления; если бы только эмульсия могла быть нанесена на стекло, эта проблема и хрупкий калотипический негатив можно было бы устранить.Многие экспериментаторы пробовали липкие вещи, такие как малиновое варенье или мед, чтобы нитрат серебра оставался взвешенным на стеклянной пластине. Ничего не получилось. Затем в 1848 году Ньепс де Сен-Виктор, двоюродный брат Нисефора, попробовал альбумин или яичный белок. Он отлично работал на стеклянных пластинах, но вскоре его оставили для другого метода, который оказался более чувствительным к свету. В 1851 году британец Скотт Арчер соединил пушечный хлопок, эфир и спирт в раствор, названный коллодием. Коллодий вылили на стеклянную пластину, окунули в нитрат серебра и экспонировали в камере.Прелесть этого метода заключалась в том, что он требовал выдержки всего две-три секунды, что намного быстрее, чем предыдущие методы. Недостатком было то, что процесс влажной пластинки требовал, чтобы фотографы делали снимки до того, как пластина высохнет и потеряет свою светочувствительность примерно за одну минуту. Поэтому фотографам приходилось носить с собой портативные фотолаборатории везде, где они хотели сделать снимок.

Тем не менее, процесс мокрой пластинки быстро стал новым стандартом, полностью устранив дагерротип к 1858 году.Эпоха фотографии – уникальной, единственной в своем роде фотографии – закончилась. На стеклянных негативах можно было сделать сколько угодно отпечатков. Однако метод с использованием белка, изобретенный двоюродным братом Ньепса, широко использовался в течение 30 лет для бумаги, на которой были сделаны отпечатки. Фактически, были отделены миллионы яичных белков, их коромыслы были проданы пекарням или свиноводческим хозяйствам.

Мокрые пластины сделали возможным обширную фотосъемку вне студии благодаря своей превосходной чувствительности и, несмотря на их недостатки в темной комнате.Нельзя сказать, что до 1851 года вне студии не производились фотографии. В 1842 году Карл Штельцнер сделал дагерротипный снимок гамбургского пожара – первое фото в новостях. Но процесс мокрой пластины был намного лучше для наружной фотографии, и после 1851 года мы находим первое широкое использование фотографии для записи событий и пейзажей. В 1855 году Роджер Фентон принес свой фотоаппарат на Крымскую войну, первый военный фотограф. Фотограф из Чикаго по имени Александр Хеслер особенно важен для людей здесь.В 1850-х годах он сфотографировал Миннесоту, включая виды на водопад Сент-Энтони, Форт Снеллинг и водопад Миннехаха. Он считался одним из великих американских фотографов Среднего Запада того периода.

Фотографы принесли темные комнаты с мокрыми пластинами на спине или запряженные мулами в отдаленные места по всему миру, от Арктики до горячих пыльных песков Египта. Учитывая хрупкую технику в этих сложных условиях и экстремальных климатических условиях, удивительно, какие фотографии они получили.И они были очень хороши. Вероятно, самый известный из этих первых выездных фотографов – Мэтью Брэди. Брэди обучался у Морса в 1840 году и вскоре открыл собственную студию в Нью-Йорке. Хотя по иронии судьбы и трагически он был обеспокоен слабым зрением – слепым в последние годы своей жизни, – Брэди вместе с партнером Александром Гарднером построил чрезвычайно успешную портретную студию в Нью-Йорке, а затем и в Вашингтоне, округ Колумбия. Большинство известных государственных деятелей в течение 30 лет были сфотографированы Брэди или его сотрудники, включая каждого президента от Джона Куинси Адамса до Уильяма МакКинли.

Самым важным, однако, были многочисленные портреты Авраама Линкольна, сделанные Брэди еще до того, как Эйб стал президентом. Брэди познакомился с Линкольном, и когда началась Гражданская война (1861-65), у него возникла новая идея: сфотографировать войну как полную хронику от начала до конца. Брэди заручился разрешением Линкольна в одном письме с надписью «Пройдите Брейди», но без денег. В тот момент он ни в чем не нуждался. Он приобрел 100 000 долларов в своем портретном бизнесе – состояние по тем временам.Но к концу войны Брэди все потратил и задолжал еще. Он профинансировал работу 20 групп фотографов, которые снимали все основные места сражений. Технологии того времени были недостаточно быстрыми, чтобы фотографировать настоящие сражения, но его навязчивые фотографии последствий битв, возможно, навсегда изменили картину войны для простых гражданских лиц.

После войны Брэди пытался продать некоторые из своих военных фотографий, но они плохо продавались. Большинство людей хотели забыть войну. Он отдал большую часть своей коллекции U.С. Военное ведомство, которое, в свою очередь, оплатило некоторые из его счетов. К сожалению, отдел не позаботился о хрупкой коллекции, и многое было потеряно. Вы все еще можете приобрести фотографии Брейди на веб-сайте Библиотеки Конгресса США.

Среди других известных и важных фотографов-первопроходцев – парижский фотограф Надар и британский портретист Джулия Маргарет Кэмерон. Надар, настоящее имя которого было Гаспар Феликс Тунашон, основал магазин в середине 1850-х годов и фотографировал великих деятелей Парижа и сцену примерно до 1880 года.Он был хорошо известен своими чувствительными портретами. Он также сделал первые аэрофотоснимки с воздушного шара. Действительно, у него действительно была портативная фотолаборатория в гондоле воздушного шара, и она развивалась по мере того, как воздушный шар раскачивался взад и вперед. Ты можешь представить!

Кэмерон также известна своими портретами, особенно известными людьми. Она была чрезвычайно напористой женщиной – ранним папарацци? – которая обычно не принимала «нет» в качестве ответа, но ее портреты демонстрируют необычайную чувствительность к характеру снимаемого человека.Также значительным в это время была разработка так называемого carte-de-visite , примерно в 1854 году. Это были небольшие фотографии размером примерно три и одна четверть на два и одна восьмая дюйма, которые собирались и продавались как спортивные карты. Cегодня. Было очень модно иметь свою семью и множество известных людей в вашем альбоме carte-de-visite .

В 1859 году был изобретен стереоскоп для просмотра фотографий. Идея была немного похожа на то, что сегодня мы могли бы назвать игрушкой Viewmaster – две фотографии, сделанные под немного разными углами, были закреплены на карте.Карту помещали в средство просмотра, и, как в бинокль, два изображения смешивались, создавая то, что выглядело как трехмерное изображение.

Популярность стереокарт и телезрителей росла и падала в викторианскую эпоху и в двадцатом веке. Были сделаны миллионы, некоторые забавные, некоторые рискованные, и во второй половине века почти в каждом доме были свои стерео-просмотрщики и карточки – почти как современные слайд-программы. Вы все еще можете найти карты и зрителей на блошином рынке по довольно дешевым ценам.

1870-е годы ознаменовали большие годы в Соединенных Штатах для пейзажной фотографии на западе. Водопады, гейзеры, каньоны, буйволы, индейцы – все это привлекло внимание западных фотографов. Многие из самых известных были частью команды Мэтью Брэди, точно так же, как многие из ковбоев служили делу повстанцев. Тим О’Салливан – один из самых запоминающихся фотографов. Но, возможно, самым важным фотографом, изменившим взгляды людей на мир, был Эдвард Мейбридж.

Мейбридж был британцем по национальности, но провел много лет в США. В 1872 году он попытался окончательно, раз и навсегда уладить знаменитый старый спор между художниками и всадниками: есть ли время, когда все четыре ноги скачущей лошади с земли? На самом деле никто не знал, потому что никто не мог видеть так быстро. Мейбридж попытался сделать снимки лошадей, но технология была недостаточно развита, чтобы остановить это действие. В 1878 году он попробовал еще раз. Он нарисовал или закрасил все, включая дорожку, чтобы в солнечный день она была белой, отражая как можно больше света.Он установил двенадцать камер, каждая из которых спускала затвор с помощью черной нити, оборванной лошадью.

Серия прошла успешно. И они показали, что да, лошадь отрывает ноги от земли. Они также показали, что способ, которым художники рисовали бегущих лошадей с вытянутыми ногами в стиле коня-хобби, был неточным. Лошади так не бегали. Выполняя эти «исследования движения» животных и людей, Мейбридж изменил взгляд художников на движение. Мне нравилось, что камера могла видеть то, что люди не могли видеть, и это изменило их взгляд на реальность.

В конце 1870-х годов произошла третья революция в технологии фотографии. От дагерротипа и калотипа до влажных пластин теперь химики экспериментировали со способами избежать громоздких процедур полотна, найдя способ изготовления сухих пластин. В 1871 г. желатин был заменен коллодием, и была изготовлена ​​первая сухая стеклянная пластинка. Однако это было медленнее, чем мокрая тарелка. Но к 1880 году сухие пластины стали такими же быстрыми, как влажные, а громоздкие влажные пластины вымерли.

По мере того, как технология влажных пластин заменялась сухими, в популярном вкусе появились другие портретные стили.Среди людей, у которых были ограниченные средства, широко продавалась фотография, напечатанная на эмульсии, нанесенной на металл, – так называемый тинтайп. Tintypes были чрезвычайно дешевы, почти как современные фотоаппараты, и производились с 1870-х до 1930-х годов. Также популярны были визитные карточки, фотографии размером примерно четыре на шесть дюймов. Это фотографии, которые у всех нас, вероятно, есть в наших обувных коробках, унаследованные от наших бабушек и дедушек, а также, вероятно, несколько их фотографий, сделанных странствующими фотографами.

Среди производителей сухих пластин был один по имени Джордж Истман.Истман вёл честный бизнес, продавая их, но для него этого было недостаточно. Если бы только можно было сделать сухую эмульсию на гибкой спине из желатина. Наконец, Истман запатентовал свое решение и в 1888 году представил первую рулонную пленку. Он продавал пленку для своей камеры под названием Kodak со слоганом: «Вы нажимаете кнопку, а мы делаем все остальное!» В камере было 100 экспозиций, и после того, как вы их снимали, вы возвращали все в Eastman для обработки. Вернувшиеся картинки были круглыми.И технология была настолько хороша, что впервые вы действительно могли сделать приличный снимок без штатива.

Конечно, это означало, что фотографом не мог быть никто, кто умел нажимать кнопку и заводить ручку. Это произвело революцию в отрасли. Впервые любой старый любитель мог сфотографировать любую старинную вещь, причем недорого. Демократизация имиджа была полной, и что случилось с компанией Истмана, всем известно.

Вернуться на страницу ресурсов класса.

Как создать старый фотоэффект в Photoshop

Узнайте, как легко создать старинный старинный фотоэффект с помощью Photoshop и его мощного фильтра Camera Raw. Теперь полностью обновлено для Photoshop CC 2019.

Автор Стив Паттерсон.

Чтобы создать эффект «старой фотографии», мы начнем с превращения нашего исходного цветного изображения в черно-белое, а затем добавим оттенок сепии для старомодного вида. Мы добавим зернистость и эффект виньетки, а также сделаем так, чтобы изображение выглядело так, как будто со временем оно потускнело, за счет смягчения светлых участков, осветления теней и уменьшения контраста в полутонах.И мы создадим весь эффект от начала до конца, используя только фильтр Photoshop Camera Raw.

Чтобы сохранить неразрушающий эффект «старой фотографии», я покажу вам, как применить фильтр Camera Raw в качестве интеллектуального фильтра. Это позволит отделить эффект от самого изображения, поэтому вы не будете вносить никаких постоянных изменений. Исходное фото останется целым и невредимым.

Это руководство было обновлено, чтобы включить последние изменения в Camera Raw, и для достижения наилучших результатов вы захотите использовать последнюю версию Photoshop CC.Если вы используете старую версию Photoshop, вы можете создать аналогичный эффект без фильтра Camera Raw, следуя моему руководству «Превратить новую фотографию в старую».

Загрузите это руководство в виде готового к печати PDF-файла!

Вот изображение, с которым я буду работать (фотография женщины в винтажном костюме из Shutterstock):

Исходное изображение.

А вот как будет выглядеть окончательный эффект “старой фотографии”, когда мы закончим:

Окончательный результат.

Приступим!

Как создать старый фотоэффект в Photoshop

Наряду с письменным руководством, приведенным ниже, вы также можете посмотреть мое видео об этом руководстве на нашем канале YouTube.Или загрузите это руководство в виде готового к печати PDF-файла!

Шаг 1. Преобразование фонового слоя в смарт-объект

Начнем с панели Layers, где мы видим наше недавно открытое изображение на фоновом слое:

Панель «Слои», показывающая изображение на фоновом слое.

Через мгновение мы воспользуемся фильтром Camera Raw в Photoshop, чтобы создать эффект «старой фотографии». Но чтобы эффект оставался неразрушающим, нам нужно применить Camera Raw Filter в качестве интеллектуального фильтра.И для этого нам сначала нужно преобразовать фоновый слой в смарт-объект .

Щелкните значок меню в правом верхнем углу панели «Слои»:

Щелкните значок меню панели «Слои».

Затем выберите Преобразовать в смарт-объект :

Выбор «Преобразовать в смарт-объект».

Значок смарт-объекта появляется в правом нижнем углу эскиза предварительного просмотра, сообщая нам, что Photoshop преобразовал слой в смарт-объект:

Значок смарт-объекта на эскизе предварительного просмотра.

Шаг 2. Откройте Photoshop Camera Raw Filter

.

Выберите фильтр Camera Raw, перейдя в меню Filter в строке меню и выбрав Camera Raw Filter :

Идем в Фильтр> Фильтр Camera Raw.

Откроется диалоговое окно «Фильтр Camera Raw», в котором изображение появится в основной области предварительного просмотра:

Диалоговое окно Camera Raw Filter в Photoshop CC 2019.

Как просмотреть фильтр Camera Raw в полноэкранном режиме

Если ваше диалоговое окно не отображается в полноэкранном режиме, щелкните значок Полноэкранный режим в правом верхнем углу (слева от гистограммы).Это даст вам лучшее представление о том, что вы делаете. Вы также можете включать и выключать полноэкранный режим, нажимая на клавиатуре букву F :

Щелкните значок полноэкранного режима.

Шаг 3. На основной панели установите для параметра Обработка значение «Черно-белое»

Параметры фильтра Camera Raw находятся на панелях справа. И по умолчанию панель Basic открывается первой. Чтобы преобразовать цветное изображение в черно-белое, начните с изменения параметра Treatment на основной панели с Color на Black & White :

Установка режима «Черно-белое».

Это создает начальную черно-белую версию изображения:

Первоначальное черно-белое преобразование.

Шаг 4. Откройте панель «Черно-белое сочетание»

Мы вернемся к базовой панели позже. Но пока, чтобы настроить черно-белую версию, откройте панель Black & White Mix , щелкнув вкладку :

Щелкнув вкладку панели «Черно-белое сочетание».

Шаг 5. Перетащите ползунки цвета, чтобы осветлить или затемнить различные области

Затем используйте ползунки цветов (красный, оранжевый, желтый, зеленый, голубой, синий, фиолетовый, пурпурный), чтобы осветлить или затемнить любые области в черно-белой версии, которые изначально содержали эти цвета.

Например, перетаскивание ползунка «Красные» вправо осветлит любые области в черно-белой версии, которые изначально содержали красный цвет. Перетаскивание ползунка «Зеленые» влево затемняет все области, содержащие зеленый, и так далее. Если вы перетаскиваете ползунок цвета и ничего не происходит, это потому, что ни одна часть вашего изображения не содержит этого конкретного цвета.

Следите за своим изображением в области предварительного просмотра, перетаскивая ползунки, чтобы оценить результат:

Перетащите ползунки цвета, чтобы настроить яркость различных областей в черно-белой версии.

Поэкспериментируйте с цветными ползунками, пока не получите черно-белое изображение. Вот мой результат:

Моя кастомная черно-белая версия.

Шаг 6: Откройте панель Split Toning

Затем откройте панель Split Toning , щелкнув вкладку (прямо справа от вкладки Black & White Mix):

Щелкните вкладку панели «Разделенное тонирование».

Шаг 7. Добавьте к изображению оттенок сепии.

С помощью панели «Раздельное тонирование» мы можем добавить оттенок сепии к нашему черно-белому изображению, и мы делаем это с помощью параметров «Оттенок» и «Насыщенность».Обратите внимание, что есть два набора параметров оттенка и насыщенности: один для светлых участков (самые светлые области изображения) и один для теней (самые темные области).

Для Highlights , установленного вверху, установите значение Hue равным 40 для получения приятного оранжево-желтого цвета. Затем увеличьте значение Saturation до 20 . Обратите внимание, что вы не увидите никаких изменений в оттенке, пока не увеличите насыщенность со значения по умолчанию, равного 0.

Затем в Shadows , установленном внизу, используйте немного другое значение Hue , равное 45 , и увеличьте значение Saturation до 50 для более интенсивного цветового эффекта в тенях:

Значения оттенка и насыщенности для светлых участков (вверху) и теней (внизу).

Вот мое изображение с нанесенным оттенком сепия:

Эффект “старой фотографии” после добавления тона сепии.

Шаг 8: Откройте панель эффектов

Две панели опущены, еще две осталось. Откройте панель Effects , щелкнув ее вкладку (третья вкладка справа):

Щелкните вкладку Эффекты (“FX”).

Шаг 9: Добавьте зернистость к изображению

Панель «Эффекты» в Camera Raw ограничена только двумя эффектами: зернистостью и виньетированием.Но оба помогут нам с нашим эффектом «старого фото».

Начнем с добавления зерна. Три ползунка в секции Grain позволяют регулировать количество, размер и шероховатость зерна. Вы можете поэкспериментировать с этими ползунками самостоятельно, чтобы найти настройки, которые вам больше всего нравятся, или использовать те же настройки, которые я использую для своего изображения. Я установил значение Amount на 50 , размер на 60 и Roughness также на 60 :

Настройки эффекта «Моя зернистость».

Вот мое изображение крупным планом, чтобы было легче увидеть, как выглядит эффект зернистости:

Эффект “старой фотографии” с добавлением зернистости.

Шаг 10: Затемнение углов путем добавления виньетки к изображению

Затем, все еще находясь на панели «Эффекты», мы добавим эффект виньетки, используя секцию Post Crop Vignetting . Основным элементом управления здесь является ползунок Amount вверху. Если вы перетащите ползунок «Сумма» влево, вы затемните края и углы изображения.Обычно это результат, который вам нужен при добавлении виньетки, но он противоположен тому, что мы хотим для нашего эффекта «старой фотографии».

Здесь мы хотим сделать светлее углов фотографии, как если бы они со временем потускнели. Сделайте это, перетащив ползунок «Сумма» вправо. Я собираюсь увеличить свою сумму до +80 . Вы можете оставить другие ползунки (Средняя точка, Круглость, Растушевка и Света) по умолчанию:

Увеличение значения параметра «Сумма» для осветления углов изображения.

А вот мое изображение в области предварительного просмотра с примененной виньеткой:

Эффект “старой фотографии” после добавления зернистости и виньетки.

Шаг 11: Снова откройте базовую панель

Наконец, снова откройте панель Basic , щелкнув ее вкладку (первая вкладка слева):

Щелкнув вкладку «Основные».

Шаг 12: Уменьшите общую контрастность изображения

Изображения, которые со временем потускнели, имеют меньшую общую контрастность, и мы можем уменьшить контраст нашего изображения с помощью нескольких простых ползунков на панели «Основные».

Во-первых, чтобы уменьшить яркость бликов, уменьшите значение Highlights , перетащив ползунок влево. Я понизу свой до -70 , но вы захотите следить за своим собственным изображением, перетаскивая ползунок, чтобы оценивать результаты. Затем осветлите тени, перетащив ползунок Shadows вправо. Я увеличу значение своих теней до + 80 , чтобы действительно сделать их ярче. Но опять же, вам нужно следить за своим изображением, чтобы увидеть, какое значение лучше всего подходит.

Наконец, чтобы уменьшить контраст в полутонах, щелкните ползунок Clarity и перетащите его влево. Я уменьшу свое значение четкости до -40 . Это дает мне более мягкое изображение без потери слишком большого количества деталей:

Перетаскивание ползунков “Света”, “Тени” и “Четкость”.

А вот как выглядит мой окончательный эффект после уменьшения контрастности изображения:

Изображение теперь выглядит потускневшим со временем.

Шаг 13: Нажмите ОК, чтобы закрыть фильтр Camera Raw

Нажмите OK, когда закончите, чтобы закрыть диалоговое окно Camera Raw Filter:

Нажмите кнопку ОК.

Photoshop применяет ваши настройки к изображению. И поскольку мы применили фильтр Camera Raw к смарт-объекту, на панели слоев отображается фильтр Camera Raw, указанный как смарт-фильтр под изображением:

Панель «Слои» с интеллектуальным фильтром Camera Raw.

Как включить и выключить эффект «старой фотографии»

Чтобы временно скрыть эффект «старой фотографии» и просмотреть исходное изображение, отключите фильтр Camera Raw, щелкнув его значок видимости :

Щелкните значок видимости, чтобы включить или выключить фильтр Camera Raw.

Это показывает нам исходное изображение без эффекта:

Исходное изображение без эффекта «старое фото».

Щелкните тот же значок видимости еще раз, чтобы снова включить фильтр Camera Raw и просмотреть эффект «старой фотографии»:

Последний античный фотоэффект.

И вот оно! Вот как легко добавить к изображению эффект старой винтажной фотографии с помощью фильтра Camera Raw в Photoshop!

Из аналогичных руководств вы узнаете, как добавить складки и складки к изображению или как создать эффект потертости, рваных краев фотографий.Посетите наш раздел «Фотоэффекты» для получения дополнительных уроков. И не забывайте, что все наши руководства по Photoshop теперь доступны для загрузки в формате PDF!

.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *